現代藝術史上被忽略的 6 大流派，你聽過幾個？

當我們提到現代藝術時，立體主義、超現實主義和抽象表現主義等流派往往會率先浮現在腦海。但那些沒有受到太多關注的流派呢？在這篇文章中，我們將帶你認識一些現代藝術時期中被忽略的藝術運動——它們為當代視覺文化奠定了基礎，但如今卻鮮少被人提起。

1. 奧菲主義：色彩、光線與抽象表現的藝術運動

讓我們從奧菲主義（Orphism）開始說起——這是一個充滿活力與色彩的藝術運動，源自立體主義的理念，卻將抽象提升到了全新的層次。

奧菲主義於大約 1912 年在法國興起，由藝術家如 Robert Delaunay 和 Sonia Delaunay 領導。它是立體主義的延伸，但與立體主義專注於將物體拆解為幾何形狀與多重視角不同，奧菲主義的核心在於對色彩、光線與視覺節奏的表現。

Robert Delaunay, Endless Rhythm, 1934.

「Orphism」這個名稱來自古希臘傳說中的詩人與音樂家奧菲斯（Orpheus）。這個詞由法國詩人 Guillaume Apollinaire 所創造，他認為繪畫應該具備如音樂般的韻律感。這種追求視覺與音樂相呼應的和諧感，對抽象藝術的發展產生了深遠的影響。

奧菲主義的獨特之處，在於它對純粹色彩關係的專注。藝術家們試圖創造出如音樂流動般的節奏與和諧感構圖，常常運用圓形與交錯圖案，營造出動感與鮮活的能量。

儘管奧菲主義擁有前衛的視野，但始終未能獲得如立體主義那般的廣泛認可。它的存在時間短暫，加上第一次世界大戰的爆發，使這場運動逐漸衰退，最終被其他抽象藝術運動所取代。即使如此，奧菲主義在推動純粹抽象的進程中扮演了重要角色，並展現了色彩本身也能成為一種獨立視覺語言的可能性。

2. 渦紋主義：英國最短命卻最前衛的藝術運動

當奧菲主義隨著戰爭爆發而漸趨式微時，一場新的藝術運動正在英國興起。渦紋主義（Vorticism）於 1914 年在倫敦誕生，目的是捕捉現代世界的能量與強度。

這場運動由藝術家兼作家 Wyndham Lewis 創立，他試圖表現機械時代的力量與混沌。「Vorticism」這個名稱來自「vortex（漩渦）」的概念——象徵著運動與能量核心的旋轉力量。

David Bomberg (1890-1957), Figure Study (Racehorse), circa 1913.

渦紋主義受到立體主義與未來主義的影響，結合了破碎的形式與大膽的機械能量。渦紋派藝術家關注都市與工業主題，採用銳利、稜角分明的風格創作。但不同於讚頌速度與科技的熱情義大利未來主義者，渦紋主義採取了更為冷靜與批判的態度。Wyndham Lewis 拒絕未來主義情感化的語調，主張一種粗獷而直接的視覺語言。

這場運動甚至創辦了自己的雜誌《BLAST》。其鮮豔的粉紅封面與大膽的排版風格，體現了渦紋主義反叛的精神。內容包括宣言與藝術作品，一方面頌揚現代生活，另一方面則明確拒絕英國傳統藝術，如田園風景畫與古典裸體畫。

儘管充滿野心，渦紋主義的生命非常短暫。第一次世界大戰的爆發使成員四散，運動也因此逐漸衰退。

即便如此，渦紋主義仍為英國藝術帶來了大膽而前衛的時刻。透過工業美學與幾何俐落的視覺語言，它為現代設計與建築奠定了基礎。

3. 至上主義：不為描繪現實，只為表達感覺

大約在同一時期的俄羅斯，也有一場同樣激進的藝術運動正在成形，那就是——至上主義（Suprematism）。這場運動將幾何抽象推向更極致，徹底捨棄所有具象元素，只為追求純粹的情感表達。

至上主義約於 1914 年由藝術家 Kazimir Malevich 創立，他的目標是將藝術還原為最基本的形式。它聚焦於純粹的幾何形狀，如正方形、圓形、長方形等，並常以有限的色彩範圍來呈現，強調簡潔與清晰。

Kazimir Malevich, Black Square and Red Square, 1915.

Kazimir Malevich 認為，藝術不應該只是描繪物質世界。他主張，藝術應該傳達的是情感與精神經驗。對他而言，「情感的至上性」比描繪物體、人物或風景更加重要。這種激進的理念標誌著藝術價值的一大轉變，並為完全非具象的藝術形式開啟了大門。

然而，至上主義並不僅僅是畫一些簡單圖形。它的核心，是創造一種全新的藝術語言——一種透過形式與色彩直接傳達情感與思想的藝術，而不依賴對現實世界的任何參照。這種革命性的觀念對後來的抽象藝術產生了深遠影響，甚至對極簡藝術的發展也有所啟發。

但正如同 20 世紀初許多激進的藝術運動一樣，至上主義的壽命並不長。俄國革命後，這場運動逐漸被邊緣化。即便如此，它仍成為藝術史上的重要轉捩點——它證明了：藝術無需再現現實，也能傳達深刻的意義與強烈的情感力量。

4. 構成主義：將藝術帶入生活的現代設計先鋒

隨著至上主義逐漸沒落，一場新的藝術運動悄悄興起。它擁抱那個時代的革命能量，並致力於讓藝術發揮實際功能。這就是——構成主義（Constructivism）。與強調精神性抽象的至上主義不同，構成主義的核心是功能性、設計性與集體目標。

構成主義約在 1915 年於俄羅斯興起，是由 Vladimir Tatlin 和 Alexander Rodchenko 等藝術家主導。他們認為藝術不該只是裝飾性的存在，而應該具備社會功能。他們的目標是走出傳統繪畫的範疇，轉而設計出實用的物品與結構，讓藝術能真正融入人們的日常生活。

Aleksandr Rodchenko, Non-Objective Painting, 1919.

Vladimir Tatlin 受到畢卡索立體派作品的啟發，開始用像金屬、玻璃這些工業材料創作。他的雕塑不但反映了當時的機械時代，也把藝術從平面帶到了三維空間。

Alexander Rodchenko 則將構成主義理念延伸至平面設計與攝影領域。他的海報與書籍封面運用了大膽的字體、幾何的形狀與生動的構圖，展現出工業進步與現代生活的活力。

構成主義的影響還延伸到建築、紡織、戲劇與時尚設計等領域。它的核心理念是：藝術應該融入日常生活——設計出來是為了被使用，而不只是被欣賞。

後來，隨著蘇聯政府加強對藝術的控制，構成主義漸漸消失在歷史舞台上。但它留下的影響卻非常深遠——從包浩斯（Bauhaus）到今日的設計與建築，都能看到構成主義的痕跡。

5. 歐普藝術：顛覆感知的視覺藝術運動

幾十年後，在一個截然不同的時空背景下，藝術家們再次重新探索幾何形式與視覺結構。這一次，他們將焦點放在視覺錯覺與感知上——這場運動被稱為歐普藝術（Op Art）。

Op Art 是 Optical Art（光學藝術）的簡稱，於 1960 年代成為繪畫領域的重要發展之一。這種藝術形式利用幾何圖形創造視覺效果，挑戰我們的觀看方式。它不再描繪現實或情感，而是透過圖案的排列，製造出視覺錯覺。畫面可能看起來像是在移動、震動，或在平面上呈現出立體感。這些效果有的輕微、有的強烈，甚至會讓人感到暈眩。

Bridget Riley, Untitled (Circular motion), 1962.

這場運動反映出戰後人們對感知、科學與心理學的興趣。藝術家與觀眾開始對「人類如何處理視覺資訊」感到著迷。

歐普藝術的代表人物之一是 Victor Vasarely，他被譽為「歐普藝術之父」。他精密排列的圖案能創造強烈的運動與空間錯覺，同時他也主張藝術應該對所有人開放、易於接觸。

Bridget Riley 是另一位歐普藝術的代表人物。她擅長用黑白圖案創作，像是《Movement in Squares》和《Fall》這類作品，雖然畫面靜止，卻讓人產生強烈的動感錯覺，成為這一風格的經典。

歐普藝術偏好重複的形狀、大膽的對比與數學般精準的結構。它不講述故事，也不描繪現實世界，而是透過純粹的視覺感知與觀眾互動。

1965 年，紐約現代藝術博物館舉辦了《The Responsive Eye》展覽，讓歐普藝術一舉躍上國際舞台。這場展覽讓更廣泛的觀眾認識到這種風格，並迅速引發文化熱潮。

歐普藝術的熱潮雖然在 1960 年代達到巔峰，但它對設計、時尚與廣告產業產生了深遠的影響。即使在今天的數位藝術與視覺特效中，我們仍能看見它的影子。

6. 動態藝術：讓藝術真正動起來的藝術運動

當歐普藝術以視覺錯覺營造出錯覺時，有些藝術家則更進一步，將實際的運動引入創作中，於是誕生了動態藝術（Kinetic Art）——一種將「動作本身」作為藝術核心的運動。

「Kinetic」一詞意指與運動相關。自 20 世紀初以來，藝術家便開始透過動態來探索時間、科技與感知等概念。在動態藝術中，動作可以透過機械裝置產生、仰賴自然力量，或由觀眾互動觸發。

Naum Gabo, Artwork Caption Kinetic Construction (Standing Wave), 1919-1920.

最早的實驗來自像 Marcel Duchamp 等藝術家，但真正將動態藝術推向主流的是 Alexander Calder 。他創作的經典「動態雕塑（mobiles）」是一種精緻而平衡的結構，會隨著空氣流動輕柔擺動，使雕塑不再靜止不動，而成為不斷變化、充滿生命感的藝術品。作品在空氣中自然移動，形體與光影隨之變化，創造出不斷變化的視覺體驗。

動態藝術之所以具有革命性，在於它顛覆了人們對藝術「靜止、不可觸碰」的傳統觀念。它鼓勵觀眾參與，邀請人們走近、環繞，甚至親自啟動作品。在這過程中，它模糊了藝術與科學、物件與體驗之間的界線。

「會動的藝術」這一概念至今仍持續啟發著創作者。動態藝術提醒我們：藝術不必是靜態的，它可以是活的、動態的、可互動的，就像我們的世界一樣，永遠在變化之中。

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