設計從來不僅僅是裝飾。
它反映了我們的生活方式、價值觀，以及對未來的想像。
整個 20 世紀中，一系列設計運動不僅改變了我們周圍的物品與建築，也徹底轉變了我們看待美與功能的方式。這些風格重新定義了「美的意義」，並塑造了現代生活的美學基調。
從新藝術（Art Nouveau） 到極簡主義（Minimalism），今天我們將探索現代設計的演變，了解這些思想如何持續影響我們的創作、生活與對世界的感知。
新藝術的誕生：現代設計的起點
現代設計的起源並非從簡約開始，而是從裝飾與對美的渴望展開——那是一種想將美重新帶回日常生活的理想。
19 世紀末至 20 世紀初，新藝術運動（Art Nouveau） 在歐洲各地興起，象徵藝術與工業之間的橋樑。從 1890 年代至 1910 年代初期，它作為對工業化與大量生產的反抗而盛行。設計師們試圖在迅速現代化的世界中，恢復情感、個性與工藝的價值。這是第一個讓「現代美」走入日常生活的運動，美不再只屬於藝術殿堂，而成為生活的一部分。
圖片來源：William Olivieri on Unsplash。
新藝術的特徵是流動的有機線條。
它強調自然的曲線與非對稱的節奏，靈感來自植物的枝葉、水的波動與生命的律動。建築宛如綻放的花朵，鐵件蜿蜒如莖，玻璃與石材交織成富有生命力的表面。
這股全新的美學風格迅速蔓延至傢俱、海報、珠寶、織品，甚至是巴黎地鐵的入口設計。藝術首次不再侷限於畫廊，而是走入家庭、咖啡館與城市街頭，讓美真正融入日常。
在慕夏（Alphonse Mucha） 的作品中，人物與有機曲線交融，將廣告轉化為藝術；艾克特·吉瑪（Hector Guimard） 的建築讓金屬充滿活力；高第（Antoni Gaudí） 在巴塞隆納的創作則使建築與雕塑融為一體，彷彿來自大自然塑造。
新藝術的理論家主張「藝術與設計的統一」，認為所有物件都應自然地相互呼應。他們摒棄維多利亞時代厚重的裝飾風格，並堅信好的設計能改善生活品質。
新藝術傳達了一種信念：美能滋養心靈，並為日常生活注入詩意。
然而，世界正在改變。
隨著工業進步，設計師開始提出新的問題：
如果美能透過「功能」而誕生，會是什麼樣貌？
形式追隨功能：包浩斯對現代生活的願景
對美的追尋，從裝飾的繁複逐漸轉向一種全新的理念。
1919 年，建築師華特·葛羅培斯（Walter Gropius） 在德國創立了包浩斯（Bauhaus）。它不僅是一所學校，更是一種願景：希望透過設計、工藝與科技的結合，在第一次世界大戰後重建破碎的世界。
葛羅培斯設計了一套以實作為核心的課程，培育新一代設計師與工匠，讓他們創造出既實用又美觀的物件，完美契合不斷變化的時代。
在包浩斯的工作坊中，畫家、雕塑家與建築師與木工、金屬工匠、字體設計師並肩合作。無論是一張椅子或一棟建築，每件作品都去除了多餘的裝飾，只保留最純粹的形式。
包浩斯的指導原則簡單卻具有遠見：「形式追隨功能（Form follows function）」。真正的美不在於裝飾，而在於清晰的結構、比例與目的。
包浩斯的教師陣容堪稱 20 世紀最具影響力的藝術家，包括保羅·克利（Paul Klee）、瓦西里·康丁斯基（Wassily Kandinsky）、莫霍利-納吉·拉斯洛（László Moholy-Nagy） 與約瑟夫·艾伯斯（Josef Albers）。他們的實驗模糊了藝術與設計的界線，將幾何與抽象轉化為屬於現代時代的新視覺語言，並教導學生重新思考形式、色彩與空間的關係。
雖然包浩斯僅存在十四年，但它的思想影響深遠。
包浩斯證明了設計能在功能與美學之間取得平衡——這種思維不僅改變了物品的製作方式，也改變了人們的生活方式。
包浩斯與裝飾藝術如何塑造現代設計的美學基調
當包浩斯提倡理性與功能時，另一股設計思潮逐漸興起，
在奢華與幾何之中探索屬於現代的美。
誕生於 1920 年代的裝飾藝術（Art Deco），反映了戰爭後渴望進步的時代精神。這是一個充滿樂觀、勇氣與自信的風格，展現了節奏與力量的美學，象徵著人們對現代生活重燃的希望。
受到城市節奏與機械運動的啟發，設計師轉向幾何、對稱與精準。造型銳利流暢，卻依然保持優雅。裝飾藝術結合了工藝精神與現代材料，將舊世界與新時代完美連結。
從摩天大樓、電影院、珠寶到傢俱，裝飾藝術改變了 20 世紀初的視覺世界。位於紐約的克萊斯勒大廈（Chrysler Building），以閃耀的尖塔與金屬弧線成為最具代表性的象徵之一。
在平面設計領域，大膽的字體與幾何圖案捕捉了現代生活的節奏。海報與廣告反映著爵士樂、電影與城市速度的能量。
圖片來源：A. M. Cassandre. Poster for the Paris newspaper L’Intransigeant. 1925
裝飾藝術展現了機械時代的華麗。
它是現代的，卻不冰冷；結合了裝飾的光彩與幾何的秩序。那是一段進步看似無限、設計成為希望與繁榮象徵的時光。
然而到了 1930 年代後期，氣氛開始轉變。經濟大蕭條與戰爭陰影再次籠罩，設計逐漸回歸簡約與節制。裝飾藝術的光芒逐漸黯淡，取而代之的是更以人為本的現代美學。
從功能到人文：世紀中期現代主義設計的美學轉折
第二次世界大戰之後，人們渴望重建的不僅是城市，還有自己的家園。他們嚮往一種現代、簡約、充滿希望的生活空間。
世紀中期現代主義（Mid-Century Modern Design），近年在社群媒體上再次受到矚目，最初誕生於 1940 至 1960 年代之間。它將現代主義的理想帶入日常生活，結合了功能性、溫度與人文精神。
新一代設計師以更敏銳與富創造力的態度，重新詮釋大量生產的可能性。他們嘗試使用模壓膠合板、玻璃纖維與鋼材等新材料，創造出兼具美學與功能的傢俱。這種風格偏好大膽鮮明的色彩，如芥末黃、酪梨綠，並以中性色調平衡整體視覺。
他們的目標不是奢華，而是讓好設計人人都能擁有。
早期的 Eames 休閒椅與腳凳廣告，體現了世紀中期現代主義設計的風格。
在美國，伊姆斯夫婦（Charles & Ray Eames） 成為這個理念的先驅。
他們的設計既俏皮又實用，將藝術、科學與生活融為一體。經典的 Eames 休閒椅（Eames Lounge Chair） 與模壓膠合板椅至今仍象徵著現代舒適與品味。
在歐洲，阿納·雅各布森（Arne Jacobsen）、阿爾瓦·阿爾托（Alvar Aalto） 與埃羅·薩里寧（Eero Saarinen） 等設計師延續了相似的理念。他們的作品融合有機曲線與幾何線條，在現代生活空間中創造出自然與平衡的氛圍。
特別是北歐設計（Scandinavian Design），體現了「簡約與溫暖可以並存」的信念。自然木材、柔和光線與功能之美，讓空間回歸溫暖與人文，而非僅是冰冷的工業線條。
建築也遵循了相同的理念。房屋設計出現更大的窗戶、開放式格局，並與自然環境產生更緊密的連結。室內與戶外的界線變得模糊，設計的焦點從裝飾轉向體驗——人們如何生活、交流與連結。
世紀中期現代主義設計展現了那個時代的平靜與希望，
以簡約、真誠與創新描繪出一個更美好的世界。
從減法中尋找美：極簡主義的設計哲學
20 世紀的現代化進程使生活節奏不斷加快。
在這樣的變動中，設計師開始思考空間、寧靜與意義的價值。
誕生於 1960 年代的 極簡主義（Minimalism），最初是對複雜形式的一種回應。但很快成為一種思考方式——對靜止、真誠與本質的追尋。
在藝術領域，唐納·賈德（Donald Judd）與艾格尼絲·馬丁（Agnes Martin） 等人將作品簡化至最純粹的形式，聚焦於線條、材質與空間。
這種對「純粹」的追求逐漸超越畫廊的界限，影響了我們建築、佈置與生活的方式。
它拋出了一個簡單卻令人深省的問題：
「我們能去除多少，仍不失去本質？」
位於京都的「陶板名畫之庭」，由建築師安藤忠雄設計。
極簡主義反映了在永不止息的世界中，人們對「靜」的渴望。
設計師與建築師透過減法、平衡與留白來尋找美。
其核心信念在於：真正的簡約，蘊含無限的力量。
一件經過深思熟慮的物件，或一個精心塑造的空間，
往往能在「少」之中，傳達出「多」。
在建築中，安藤忠雄、路德維希·密斯·凡德羅（Mies van der Rohe）與約翰·波森（John Pawson）等人塑造出以光影與留白為語言的空間。平滑的混凝土、玻璃與自然材質構築出能引人沉思的環境——每一道線條、每一面牆、每一束光影，都富有意義。
在產品設計上，這種精神同樣延續。
無印良品與之後的 Apple 將「克制的優雅」化為品牌哲學，
展現出簡約既具有永恆的價值，也蘊含情感的溫度。
透過極簡主義，設計再度歸於寧靜——
成為一種以空間、光與思考為語言的表達方式。
如今，它的影響無處不在：
建築、傢俱、數位設計皆受其啟發。
當我們選擇清晰而非雜亂，
或在片刻停頓中欣賞純粹簡單的美，
在那一刻，我們正以自己的方式，與極簡主義的精神共存。
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