ミニマリズムは近年のトレンドとして注目されています。私たちの多くは、整理された生活空間、洗練されたデザイン、シンプルなワードローブを思い浮かべるでしょう。「少ないほど豊か」という考え方は、特に情報や選択肢が溢れる現代において、大きな人気を集めています。しかし、ミニマリズムは決して新しい概念ではありません。そのルーツは深く、その最も影響力のある表現の一つはミニマリズムアートムーブメントに見られます。この記事では、このアートムーブメントを探り、ミニマリズムがなぜこれほど大きな影響を与え続けているのかを理解していきましょう。
(ミニマル・アートとは何だったのか？定義、特徴、主要アーティストの紹介 - dans le gris)

写真提供：サザビーズ、フランク・ステラ、プラットフォール、キャンバスに描かれたアクリル画
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ミニマル・アートとは？基本定義と特徴

20 世紀半ばに登場したミニマル・アート運動は、視覚芸術の基本要素を探求し、単純化と簡素化を特徴とする重要かつ影響力のある芸術スタイルです。

ミニマル・アート（ミニマリズム）は、抽象芸術の一形態として位置付けられ、作品の純粋さと美しさを引き出すために、基本的な形式を排除することが特徴です。他の抽象芸術とは異なり、ミニマル・アートは深い意味や個人的な自己表現よりも、美学、構造、質感に重点を置いています。この運動のアプローチは革新的で、アーティストたちは芸術を創造するための媒体や材料の本質を追求しました。


(芸術におけるミニマリズム: 定義、特徴、アーティスト - dans le gris)
Cambridge Dictionary によると、「ミニマリズムとは、アート、デザイン、演劇において可能な限り最小限の素材と色を使用し、非常にシンプルな形状を採用するスタイルです。」ミニマリズムは時と共に進化し、さまざまな人々に異なる意味を持つようになりました。アートだけでなく、生活、建築、ファッション、デザイン、文学、音楽、室内装飾など、多くの生活の側面に適用されます。ミニマリズムを表す言葉には、「還元主義」、「シンプルさ」、「すっきりとした」、「スムーズ」などがあり、これらはアート作品の基本的な要素を伝えるものです。これらの要素は現代において一般的ですが、ミニマリズムがどのように進化し、今日の形に至ったのかを知ることは重要です。
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ミニマル・アートの歴史

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起源と影響

ミニマリズムは、1960 年代初頭にアメリカで、従来の芸術に対する反発から生まれた芸術運動です。この運動は、古臭く学術的だと見なされた最近の芸術を意識的に否定する形で始まりました。ミニマリストの芸術家たちは、構成主義、デ・ステイル、マルセル・デュシャンのレディメイドからインスピレーションを受け、抽象表現主義の英雄的な物語を拒絶し、簡素化された純粋な幾何学的形態を好みました。新たな影響と過去のスタイルの再発見により、若い芸術家たちは異なるメディア間の伝統的な境界に疑問を抱くようになりました。幾何学的抽象、構成主義、レディメイドの概念が融合し、ミニマリズム芸術運動の形成に重要な役割を果たしました。

戦後の影響と生活環境により、人々は物資不足に直面し、基本的な必需品さえも手に入れることが困難でした。ミニマリズム運動は、1950 年代に、伝統的な絵画や彫刻（例えば家や雪景色など）を制作しないアーティストたちによって始まりました。代わりに、彼らは塗料、木材、金属などの使用材料に焦点を当て、その作品はしばしば工場で作られた製品に似ていました。この時期に、モダニズム建築の語彙（幾何学的でミニマリスト的な特徴を持つ工業材料）を用いながらも、明確な芸術的目的を持った新しいアーティストたちが登場しました。
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1960 年代の出現

ミニマリズムは、当時の主流芸術運動であった抽象表現主義への反動として生まれました。抽象表現主義は、個人の表現と自発的な創造性を強調し、ドラマチックで感情的、しばしば大規模な絵画が特徴でした。しかし、1950 年代後半になると、多くのアーティストがこのスタイルを定型的と見なし、芸術界もその過剰な表現を飽きるようになりました。彼らは、抽象表現主義の激しい感情や表現力豊かな筆遣いから離れ、別のアプローチを模索しました。

1966 年、ニューヨークのユダヤ博物館で「プライマリー・ストラクチャーズ」という展覧会が開催されました。この展覧会は、ミニマリズムを重要な芸術運動として確立する上で、重要な役割を果たしました。ジャッド、モリス、カール・アンドレなどの著名なアーティストの作品が展示され、ミニマリズムだけを特集した初めての展覧会の一つとなりました。この展覧会は批評家から高く評価され、タイム誌やニューズウィーク誌などのメディアで取り上げられました。一般の人々には「ABCアート」や「リダクティブアート」、そして「ミニマリズム」といった新しい芸術形式が紹介されました。興味深いことに、アーティスト自身、特にドナルド・ジャッドは、これらのラベルを拒否しました。
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1963年、アンドレ・エメリッヒ・ギャラリーにて。画像提供：マシュー・マークス・ギャラリー
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ミニマル・アートの特徴

ミニマル・アートの重要な特徴の一つは、表現主義芸術の表現力や抽象性に対する反発です。ミニマリズムは、色や形の使用を通じて最も基本的で根本的な意味を伝えようとする意図があります。このアプローチは、表現主義に対する反抗と見なされることもあります。美的観点からは、ミニマリズムは洗練された美しさを提供し、真実（ありのままの姿を装わないこと）、秩序、シンプルさ、調和といった特性を表現します。

ミニマリズムの代表的なアーティストであるフランク・ステラは、「あなたが見ているものは、あなたが見ているものです」という言葉で知られています。この言葉は、ミニマリズムが幾何学と色に焦点を当て、芸術作品の物理的特性を強調することを象徴しています。ミニマル・アートは感情的な執着から解放され、純粋に芸術のために創作されます。以下に、ミニマリズムの主な特徴を紹介します。
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繰り返し

繰り返しはミニマリズムの基本的な要素であり、この芸術運動の美学と哲学において重要な役割を果たしています。ミニマリスト・アートでは、繰り返しがテーマとして取り上げられ、視覚的なリズムと秩序を生み出します。反復の使用は視覚芸術に限らず、音楽にも広がり、ミニマリズムでは作品における反復と段階的な変化がよく見られます。

ミニマリズムにおける繰り返しは、美学を超えて、耐久性と時代を超えた特性も象徴しています。ミニマリスト・アートの基本要素としての一貫した繰り返しは、永続性を伝え、アートの持続的な性質を強調します。この永続的な性質は、ミニマリズムのアート界における重要性を際立たせるだけでなく、さまざまなアート形式にわたるその持続的な魅力と影響力にも貢献しています。
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幾何学的形状

ミニマリズムにおける幾何学的形状の使用は、20 世紀半ばの工業デザインや建築デザインの美学に大きく影響されています。ミニマリズムは、幾何学と基本的な形状を効果的に活用し、利用可能なリソースで表現力を最大限に引き出すことで、その時代のコンテンポラリー・カルチャーと強く結びついています。ミニマリズムのアーティストたちは、正方形、長方形、円、線などの基本的な幾何学的形状を頻繁に使用し、作品を制作します。これらの形状は、そのシンプルさと、作品にもたらす構造的な調和のために選ばれています。
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ロバート・モリス、「無題（鏡面立方体）」、1965-1971 年
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シンプルさ

ミニマル・アートの主要な特徴の一つは、構造と外観のシンプルさです。ミニマリズムは、芸術を本質的な要素にまで削減することを提唱しており、これは不必要な詳細や装飾を取り除き、基本的な要素だけを残すことを意味します。ミニマリズムは、以前の芸術運動でよく見られた装飾的な要素や複雑なデザインを否定します。

ミニマリズムは「純粋」で合理化されたアプローチを特徴とし、最小限の筆遣いや色の明確な区別が見られます。視覚的な面だけでなく、感情的または個人的な表現も最小限に抑えられ、芸術作品そのものの客観的な品質に重点が置かれます。これにより、ミニマリズムは他の芸術形式と比べて、よりシンプルで直接的な美しさを提供します。
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色の選択肢が限られている

ミニマリズムのもう 1 つの特徴は色の使用です。ミニマル・アートは、無表情な色に焦点を当てています。初期の作品は単色で、1 つの色と関連する色相 (黒、灰色、白など) に限定される傾向がありました。これにより、ミニマリズム アートのアプローチはより中立的になり、色はそれ以上のものになりません。ミニマリズムの色は、個人的な表現を伝えるためにではなく、インパクトと作品のありのままを伝えるために使用されます。
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精密かつハードエッジ

ミニマル・アートは、色の領域間の境界が明確で正確であることが特徴です。陰影や微妙な色の変化は排除され、形状は正方形や長方形といったシンプルで明確なものが好まれます。これにより、視覚的な精度が高まり、ミニマリズムの特徴である明瞭さが強調されます。

はっきりした境界線によって、視聴者は色の領域とそれらの関係を簡単に識別できます。この明確さが、ミニマリストアート作品の全体的なシンプルさと即時のインパクトを強調し、作品の美学に大きく貢献しています。
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表現力の欠如

多くの以前の芸術運動、例えばロマン主義や象徴主義では、芸術が複雑な物語や象徴を伝える手段として使われていました。これに対して、ミニマリズムは物語や象徴を意図的に避けます。ミニマリストアーティストは、作品において個性や感情を表現せず、感情的な表現はほとんど見られません。ミニマリズムでは、客観性とシンプルさが重視され、作品の前に立つと大きなアイデアや社会的な問題は見当たらず、主に幾何学的形状と色彩に焦点が当てられます。

形状と構造に重点を置くのは、感情を表現するためではなく、視覚的かつ知的な体験を創出するためです。要するに、ミニマリズムは感情的な内容ではなく、作品の美的、構造的、形式的な特性に価値を置きます。ミニマル・アートは、その伝える感情ではなく、その固有の性質によって評価されます。
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工業材料

ミニマリズムでは、素材が芸術作品の創作において重要な役割を果たします。ミニマリストアーティストは、従来の職人技や芸術的理想を拒絶し、未加工で装飾のない、大量生産される素材を好みました。工業素材は通常、精密で一貫性のある製造プロセスによって作られ、個々の職人技を排除し、形状と素材の純粋さを強調します。

金属、コンクリート、ガラスなどの工業素材が頻繁に使用され、これらの素材の固有の特性や周囲の環境との関係が強調されます。ミニマリズムにおける工業素材の選択は、客観性、シンプルさ、素材の本質的な性質とその環境との関係に重点を置くという運動の原則を反映しています。
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ラリー・ベル、20インチ「無題」、1969年
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鑑賞者に焦点を当てる

ミニマリズムにおいて、鑑賞者の体験が中心的な要素となります。作品と鑑賞者との関係を強調するために、ミニマリズムではシンプルさと形状の縮小がよく採用され、鑑賞者が作品に直接、自分の条件で関わることを促します。

ドナルド・ジャッドの「無題（1969年）」は、鑑賞者の体験を重視したミニマリズムの代表例です。この作品は、床に格子状に並べられたステンレス製の長方形の箱を特徴としており、片側が開いていて内部に空洞の空間を作り出しています。鑑賞者は箱の周りや箱の間を歩き回り、さまざまな視点から作品を体験することで、作品を探索するように促されます。

ダン・フレイヴィンの「無題 (バーネット・ニューマンの単純な問題、赤か青かを記念して)」も、鑑賞者とのインタラクションを重視した作品です。蛍光灯をさまざまな配置で使用したこのミニマリスト的な光のインスタレーションでは、鑑賞者が作品のある空間に足を踏み入れることで、光と影の遊びや色の相互作用が活性化されます。鑑賞者の存在と動きによって、作品は変化し、個々の体験が生まれます。
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ミニマル・アートにおける素材の選択

ミニマリズムは、伝統的な芸術材料を避け、工業的な製造技術や市販の素材を優先する傾向が強い芸術運動です。このアプローチにより、アーティストの手による痕跡や筆跡を排除し、より純粋で客観的な表現を追求しました。ミニマリズムのアーティストは、個人の感情や考えを反映するのではなく、色や形を空間描写のために使用することを選びました。

ミニマリズムにおいて、住宅用塗料やグラスファイバーなどの工業素材は、伝統的な油絵の具や粘土よりも重要視されました。これらの素材は、希少性や価値を重視せず、日常的な生活の中で利用される物を反映するものであり、アートのシンプルさと物質性を強調するために用いられました。型破りな素材や技法の使用は、ミニマリズム芸術運動の核心を成し、シンプルさ、削減、そして物質性の重要性を体現しています。
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写真提供：Studio Trisorio、ダン・フレイヴィン展、1967 年から 1970 年の作品
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ミニマリズムに対する反論と批判

ミニマリズム彫刻の特長とアプローチ

ミニマリズムは、前の 10 年間の主観的な抽象表現主義とは対照的に、客観的なアプローチを取ることを主張しました。ミニマリストのアーティストたちは、自らの芸術が自己表現ではなく「客観的」であると明言し、彫刻の領域で重要な役割を果たしました。

ミニマリスト彫刻は、鑑賞者に空間との関係を意識させることを目的としています。これらの作品は、ギャラリーの建築を際立たせるように配置され、壁や角、または直接床に展示されることがよくあります。ミニマリストの彫刻家たちは、従来の台座や土台を意図的に排除し、作品を空間を占める単なる物体として捉えました。これにより、鑑賞者は作品との関係を再考せざるを得なくなり、作品に近づいたり、後退したり、作品の周りを歩いたり、時には作品の上に立ったりして、よりインタラクティブな体験が可能になります。

ミニマリストアーティストのロバート・モリスは「形のシンプルさは、必ずしも経験のシンプルさとは限らない」と述べました。この言葉は、ミニマリスト彫刻を理解するためには、その手法を開拓したアーティストの意図を深く考察する必要があることを示しています。ミニマリズム彫刻の独自性とその影響を把握することで、より深い理解が得られるでしょう。
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カール・アンドレ、メリーマウント、1992年
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ミニマリズムにおける絵画の特徴

ミニマリズムは、絵画においてもよく見られる芸術スタイルです。ミニマリズムの絵画は、彫刻と同様に、本質的な物理的特性を強調し、存在感のあるシンプルな作品を目指します。これらの絵画には、表現力豊かな筆遣いや複雑なディテールはほとんど見られません。

ミニマリストの画家たちは、重要なテーマや感情的な内容を排除し、幾何学的かつ工業的な形状を繰り返し使用した抽象作品を制作しました。彼らの作品は、シンプルな形状と色彩の使用により、純粋な視覚体験を提供します。

ミニマリズムの初期の重要なアーティストには、画家のフランク・ステラがいます。ステラはミニマリズム、ポスト・ペインティング・アブストラクション、カラーフィールド・ペインティングなどの運動の発展に大きな影響を与えました。他にも、エルズワース・ケリー、ブライス・マーデン、ケネス・ノーランド、ロバート・ライマンなどが、ミニマリズム絵画の重要な作家として広く認識されています。
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アグネス・マーティン、窓、1957 年
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ミニマリストアート：主要アーティストと作品例

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1. ロバート・モリス Robert Morris

ロバート モリスはミニマリズムの中心人物の 1 人でした。1960 年代には、ドナルド ジャッドとともに、ミニマリズムの最も有名な推進者および理論家の 1 人となりました。1960 年代の自身の彫刻と理論的な著作の両方を通じて、モリスは、比喩的な関連性を排し、作品と鑑賞者の相互作用に焦点を当てた、単純な幾何学的形状で洗練されたアートのビジョンを提示しました。この知覚と次元の関係の強調は、ミニマリズムの重要な焦点でした。

ロバート モリスの有名な「L ビーム」シリーズは、彼の最も象徴的なミニマリスト作品の 1 つです。このコレクションには、ギャラリーの壁に沿って慎重に配置した大きな L 字型の鉄骨梁が特徴的です。これにより、モリスは彫刻、インスタレーション、建築の境界を巧みに曖昧にしています。彼の一見シンプルな彫刻は、鑑賞者に微妙な知覚のパズルを提示します。3 つの要素はすべて同じ形を共有していますが、さまざまな方向にあるため、異なる外観になります。モリスの芸術は、鑑賞者と作品自体の間に直接的で直接的なつながりを確立することに専念しました。
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ロバート・モリス、無題（Lビーム）、1931-2018
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2. カール・アンドレ Carl Andre

アメリカのミニマリスト芸術家であるカール・アンドレは、20 世紀半ばのミニマリズム芸術運動に多大な貢献をしたことでよく知られています。彼の芸術的実践は、素材の本質的な性質を強調するシンプルで幾何学的な形に重点を置いています。彼は「芸術とは不必要なものを排除することである」という言葉で、その哲学を簡潔に表現しました。

1950 年代、彼の作品は絵画や彫刻から、彼の特徴的なスタイルへと進化しました。彼は工業材料、特にレンガ、鋼板、木のブロックなどの未加工の未加工の物質から彫刻を作り始めました。これらの彫刻は、個人的な表現や象徴性ではなく、幾何学的な精密さと素材そのものの強調を特徴としていました。

カール・アンドレの最も有名な作品の 1 つは、床に直接置かれた金属板で作られた彫刻のシリーズで、「床彫刻」または「タイル」として知られています。これらの作品は、台座をなくし、鑑賞者が同じ平面にある芸術作品と関わるように促し、作品の上を歩き、素材と直接触れ合うように促すことで、彫刻に関する従来の概念に挑戦しました。
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3. フランク・ステラ Frank Stella

イタリア系アメリカ人の画家であり版画家でもあるフランク・ステラは、「ポスト・ペインティング・アブストラクション」運動の重要人物として、アート界で重要な地位を占めています。彼の貢献は、絵画を抽象表現主義の支配的な影響から脱却させ、ミニマリズムという新興のスタイルへと導く上で極めて重要な役割を果たしました。抽象表現主義とミニマリズムの両方とのこの二重の関連性は、ステラとミニマリズムの関係について、美術史家や評論家の間で議論を巻き起こしました。彼の後期の作品のほとんどはミニマリズムに厳密に従ってはいませんが、初期の作品は運動の多くの要素を予見していたため、彼をミニマリストのアーティストとみなす人もいます。
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フランク・ステラ、ブラック・シリーズ II より「トルコのマンボ」、1967 年
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4. ダン・フレイヴィン Dan Flavin

ダン・フレイヴィンは、照明器具を使った独創的なインスタレーションで最もよく知られているアメリカ人アーティストです。彼の作品は、芸術をその本質的な要素にまで減らすこと、シンプルさ、幾何学的形状、工業材料の使用を強調することを目指すミニマリスト芸術運動の原則に合致しているため、ミニマリスト芸術運動と関連付けられることがよくあります。しかし、彼が選んだ媒体は、蛍光灯という型破りなものでした。フレイヴィンは、工業材料と簡素化された形状を使用して芸術を創造し、現実空間を形式的要素として捉えるという概念を探求した最初のミニマリスト芸術家の 1 人でした。
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ダン・フレイヴィン、名目上の三人（ウィリアム・オッカムに）、1963 年

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5. アン・トゥルイット Anne Truitt

アン・トゥルイットは、1960 年代後半に大規模なミニマリスト彫刻で名声を得たアメリカのミニマリスト彫刻家です。他のミニマリスト芸術家の多くとは異なり、彼女は色彩を敬遠せず、むしろ色彩を作品の中心に据えました。彼女の彫刻には色の繊細さが細心の注意を払って施され、その層は 40 層にも及ぶことがありました。トゥルイットの作品は色彩、形、空間の関係を強調し、ミニマリズム芸術運動におけるこれらの側面の探求の基礎を築きました。
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アン・トゥルイット、ホワイト：フォー、1962 年
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6. ソル・ルウィット Sol LeWitt 

ソル・ルウィットは、ミニマリズムやコンセプチュアル アートと関連付けられることが多いアメリカのアーティストです。多くのミニマリスト アーティストが工業素材に目を向ける中、ルウィットはさらにシンプルにし、伝統的な素材を使い続けました。ルウィットにとって、芸術作品を作成するプロセス自体が芸術作品となり、芸術作品が実際の物質的存在を持つ必要はなくなりました。彼の作品には、立方体、球、ピラミッドなどの単純な幾何学的形状が含まれることが多く、壁画や構造物にも及びました。

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ソル・ルウィット、コーナー・ピース #4、1976
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7.ドナルド・ジャッド Donald Judd

ドナルド・ジャッドは影響力のあるアメリカ人アーティストであり、ミニマリズム芸術運動の著名な人物でした。彼自身は「ミニマリズム」という言葉を否定しましたが、それはおそらくこの言葉が以前は否定的な意味合いを帯びていたためでしょう。しかし、ドナルド・ジャッドの作品にはミニマリズムの典型である立方体、長方形、正方形などの単純な幾何学的形状が頻繁に登場するため、人々は彼をミニマリズムと結び付けることがよくあります。ジャッドはまた、他のミニマリストアーティストと同様に、芸術は外部の連想や象徴から離れて独立して存在すべきであると信じていました。一部の批評家や美術史家はジャッドの作品が厳密にミニマリズムであるかどうかを議論していますが、彼の芸術がこの運動の形成に重要な役割を果たしたことは間違いありません。
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ドナルド・ジャッドと彼の作品「無題（スタックス）」。ステンレス鋼やプレキシガラスなどの工業材料で作られています。
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8. アグネス・マーティン Agnes Martin

アグネス・マーティンは、カナダ系アメリカ人の画家で、特にミニマリズムと抽象表現主義の領域における抽象芸術への独特の貢献で知られています。マーティンの芸術的努力は、純粋な抽象の深い探求によって特徴づけられ、グリッドや幾何学模様を頻繁に紹介しています。彼女の創造的な表現は、東洋哲学、特に道教への関心に大きく影響されており、彼女は自分の芸術が超越と内なる静けさの感情を呼び起こすことを目指していると信じていました。
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アグネス・マーティン 絵画とデッサン 1974-1990
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マーティンは、そのキャリアを通じて、繰り返しの、そして丁寧に手描きされた線を特徴とする絵画を制作し、多くの場合、柔らかく落ち着いた色調を使用しました。彼女のユニークなスタイルは、抽象表現主義のレンズを通して解釈されることが多いですが、視覚的にはミニマリズムに近いものです。マーティンの作品は、主に鉛筆で描かれたグリッドの付いた正方形のモノクロームで構成されており、当時のニューヨークのアートシーンを支配していた大胆で感情的で非常にジェスチャー的なアートとは一線を画しています。

9. エルズワース・ケリー Ellsworth Kelly

エルズワース・ケリーは、アメリカの画家、彫刻家、版画家であり、その作品は戦後の抽象芸術の前衛を体現しています。マーク・ロスコやケネス・ノーランドなどの芸術家と並んで、ケリーの絵画は、ポロックやデ・クーニングのジェスチャー抽象芸術に対する色面の対応を表しています。フランク・ステラと同様に、エルズワース・ケリーは、1960年代から70年代にかけてミニマリズムの発展と還元主義の絵画の創造を促進する役割を果たしました。同時代の多くの芸術家とは異なり、エルズワース・ケリーは、感情を表現したり、概念を作ったり、芸術で物語を語ったりすることに関心を示しませんでした。代わりに、彼は鑑賞行為と、絵画と鑑賞者との間の空間に興味をそそられました。孤立した明るい色と単純な形状を使用しているため、彼の作品はミニマリズムの一部と見なされています。
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エルズワース・ケリー、白と黒、1951年
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10. ロバート・ライマン Robert Ryman

ロバート・ライマンは、フランク・ステラやソル・ルウィットなどの著名なアーティストと並んで、ミニマリスト絵画の先駆者の一人とみなされています。ライマンの作品の特徴の 1 つは、原色としての白の探求です。彼は、「私は白い絵を描いているとは思っていません。絵を描いているのです。私は画家です。白い絵の具が私の媒体です」と述べています。この発言は、1960 年代半ばにこのアーティストが始めた、作品の焦点を白い絵の具だけに絞った急進的な実践を伝えています。
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ロバート・ライマン、ツイン、1966 年
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ライマンの作品の 1 つである「ツイン」では、キャンバスの表面が、下塗りされていないキャンバスに 1 回の動作で描かれた、密集した白い筆遣いの列で覆われています。この作品の規模の大きさから、ライマンは中断することなく各水平ストロークを完成させるために、特製の 12 インチのブラシと薄めた絵の具を使用する必要がありました。「ツイン」は、要素を本質的な性質にまで削減することや、作品と鑑賞者との関係を重視することなど、ミニマリズムのいくつかの原則を体現しています。
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ミニマリズムとコンセプチュアルアートの影響

1960 年代と 1970 年代のミニマリズムとコンセプチュアルアート運動は、空間と素材に対する理解に革命をもたらしました。これらの芸術運動は異なるアプローチを取りますが、しばしば交差し、一部のアーティストは両方の要素を作品に取り入れています。

ミニマリズムはアートを最も基本的な形にまで縮小し、視覚的な表現のシンプルさを追求します。一方、コンセプチュアルアートはアイデアや概念に焦点を当て、最小限の美学を採用して視覚的要素を軽視することがあります。両者とも、視聴者を知的なレベルで引き込みます。ミニマリズムは形状や空間の本質について熟考させ、コンセプチュアルアートは概念やアイデアについての考察を促します。

ミニマリズムとコンセプチュアルアートを区別する最も重要な要素はその焦点です。ミニマリズムは視覚的および形式的な特性に重点を置き、形状や空間、素材の関係を強調します。対照的に、コンセプチュアルアートは芸術作品の背後にある概念やアイデアを優先し、視覚的または美的要素は二の次にします。また、ミニマリズムは彫刻や絵画などの伝統的な芸術媒体を物理的特性に重点を置いて使用しますが、コンセプチュアルアートはテキスト、言語、インスタレーション、パフォーマンスなど、多様な媒体を取り入れます。

**ご注意ください。この文章は自動翻訳されています。原文：Minimalism in Art: Definition, Characteristics and Artists**
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