光が芸術を変える理由──芸術における光の使い方

光はしばしば当たり前のものと見なされます。それは通常、受動的なもの、つまり単に私たちに物を見せてくれるものと考えられています。

しかし、芸術においては、光は二次的なものではなく、素材なのです。

芸術家は光を使って形を浮かび上がらせるだけではありません。光と向き合い、形を整え、構成します。このように見てみると、光はもはや単なる照明ではなく、全く別の何か、作品そのものの一部となるのです。

アーティストが光を使って視線を誘導する方法

私たちが何を見ているのか理解する前に、私たちはすでに光を追いかけています。

あらゆる画像には、私たちが意識しているかどうかに関わらず、根底に構造が存在します。ある要素は前進し、ある要素は後退します。この関係を決定づけるのは光です。

人間の目は中立的ではありません。コントラスト、明るさ、そして視野の中で最も強く目立つものに自然と引き寄せられます。芸術家たちは常にこのことを理解していました。光をコントロールすることで、彼らは注意をコントロールするのです。

カラヴァッジョとレンブラントの作品において、光は単に情景を照らす以上の役割を果たしています。光は情景を構築するのです。ハイライトと影を正確にコントロールすることで、物理的なフォルムの錯覚を生み出し、物体や人物が力強い重量感と存在感をもってキャンバスから浮かび上がるのです。光は、構図を静かに導く存在となるのです。

芸術家が光をどのように使い、それがすべてを変えるのか - dans le gris

Caravaggio, The Calling of Saint Matthew, 1609.

物語が理解され、感情が形づくられる前に、視聴者の目はすでに誘導されています。

同じ原理が、写真、映画、そしてデジタルスクリーンなど、今日の視覚文化を支配しています。何世紀にもわたり、技術の進化を遂げてきた今も、光はあらゆるイメージを繋ぎ止める目に見えない構造であり続けています。

芸術における雰囲気としての光

光が私たちの見るものを構造化すると、それは私たちの感じ方を形作り始めます。

光は単に表面を照らすだけでなく、雰囲気も作り出します。

柔らかな光は空間に静寂と閉塞感を与える一方で、強い光は緊張感や感情的な距離感を生み出します。これらは決して偶然ではありません。芸術家は、気分、知覚、そして感情的な反応に影響を与えるために、芸術作品において光を注意深く利用します。

ヨハネス・フェルメールの作品では、窓から差し込む日光が壁や布地を優しく照らします。その結果、静寂と集中が生まれ、穏やかで静かな集中の雰囲気が生まれます。光は視覚的な言語であると同時に、感情的な言語にもなります。

対照的に、エドワード・ホッパーは光を用いて、安らぎよりもむしろ隔絶感を表現することが多い。彼の作品に登場する人物たちは、しばしば明るい光の中に佇みながらも、周囲の空間から切り離されたままである。この作品では、光は明らかにするだけでなく、同時に隔絶も生み出し、孤独と感情的な距離というテーマを強めている。

Edward Hopper, Nighthawks, 1942.

被写体そのものは、部屋、通り、顔といったシンプルなものかもしれません。しかし、光の条件が異なれば、同じ光景でも全く異なるものになります。

私たちが感情に名前をつける前に、物語を解釈する前に、光はすでに雰囲気を醸し出しています。それは静かに、そして正確に作用します。

芸術において光が時間になるとき

光は決して静止していることはありません。時間、季節、天候によって変化します。そのため、光は芸術家にとって時間の経過を最も明確に表現する手段の一つとなります。

風景は同じままでも、光は変わりません。低い太陽は影を伸ばし、朝の光は脆く、夕方の光は重厚感を帯びます。こうした微妙な変化を通して、芸術家たちは時計を使わなくても鑑賞者に時間を感じさせています。

光と時間の関係を主題とした画家もいました。クロード・モネは同じ光景に何度も足を踏み入れましたが、それは同じ光景を繰り返すためではなく、その変化を観察するためでした。水は朝もやに溶け、橋は夕焼けに輝き、大聖堂は動く陽光の下で移ろい、形はより単純になり、細部はゆっくりと消えていきます。残るのは光景そのものではなく、そこを横切る光なのです。

それぞれの絵画では、時間は形ではなく色と空気、雰囲気で記録されています。

ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナーはこの考えをさらに推し進めました。彼の作品では、形は明るさの中で溶け始めます。輪郭は柔らかくなり、人物はぼやけます。光はもはや物体の表面に留まらず、物体の中を動き回ります。天候は力となり、空は動きとなり、風景は感情となります。

残るのは雰囲気、動き、そして時間そのものです。

光は単に何かが起こっていることを示すだけではありません。時間がどのように感じられるかにもなります。

光が芸術における言語となる理由

光は、構造、雰囲気、時間を超えて、意味も持ちます。文化や歴史を超えて、芸術家たちは光を用いて、直接的に表現できないものを表現してきました。

宗教画において、明るさはしばしば神聖な意味合いを帯びます。光は神聖な人物像を周囲の世界から切り離し、目に見えないものに視覚的な形を与えます。政治的なイメージにおいては、光は力と権威を暗示することがあります。明るさの中に置かれた顔は高貴な印象を与え、存在感が重要になります。

肖像画において、光は人物の印象を形作ります。光は確信、威厳、力強さなど、様々な印象を与えます。たった一つのハイライトでさえ、顔の印象を大きく変えることがあります。

芸術において、光は常に一つの決定です。照明は存在を、影は不在を示唆します。明らかにされたものは重要に感じられ、隠されたものは二次的なものに感じられます。光は、私たちが見るものを形作るだけではありません。それは、私たちが見たものについて、私たちが何を信じるかを形作ります。

このようにして、光は言葉を使わずに語る視覚言語になります。

現代アートにおける光の媒体

現代アートにおいて、光は静かな変容を遂げてきました。もはやイメージの中に現れるだけのものではなく、光は芸術的な媒体となり、それ自体が主題となり、そして多くの場合、環境そのものとなりました。

電気と近代照明の到来とともに、芸術家たちは光を主要な素材として扱うようになりました。彫刻家が石を、画家が顔料を駆使するのと同じです。例えば、ダン・フレイヴィンは、ありふれた蛍光灯を彫刻として用いました。作品は単なる照明器具ではなく、それが周囲の空間に放つ色とりどりの輝きそのものでもありました。光は空間を変化させ、建築様式は変化し、作品はそれ自体を超えて広がりました。

光を物体としてではなく、経験として捉えた芸術家もいます。ジェームズ・タレルの作品では、部屋は色彩と輝きによって構成されています。壁は溶けていくように見え、空間は境界を緩めているように見えます。光は、まるで固体のように感じられるまで、丹念に形作られています。この作品は物体ではなく、知覚を主題としています。

他のアーティストたちは、空間を形作るためではなく、言葉を伝えるために光を使い始めました。ジェニー・ホルツァーとトレイシー・エミンは、LEDとネオンサインを用いてテキストを表示しました。ここでは、光が言葉を存在感へと変えています。メッセージは公的なものとなり、切迫したものとなり、無視できないものとなります。

そこから、光は言語を完全に超越します。オラファー・エリアソンはこの概念を自然界へと拡張し、霧、反射、そして明るさから没入感のある環境を作り出します。彼の作品は遠くから見るためのものではなく、作品の中に入り込むためのものです。

「ウェザー・プロジェクト」では、人工の太陽光と霧が広大なホールを満たし、来場者は架空の空の中に立ちました。空気そのものが作品となりました。ここでは、光は形を現すのではなく、形に取って代わるのです。

アートワークの中には光がもうありません。
それは芸術作品です。