ソル・ルウィット、各半正方形の線の方向が異なる正方形からの無題、1971年。

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ヴィト・アコンチ『Seed Bed』、1972年。グラフィックレイアウト、4パネル © ヴィト・アコンチ財団、無断転載禁止

1972 年に制作されたヴィト・アコンチの「Seedbed」は、コンセプチュアル アートの世界で非常に影響力があり、物議を醸したパフォーマンス作品です。このパフォーマンスでは、アコンチはギャラリーの偽の床の下に隠れ、上を歩く訪問者についての空想を声に出して語りました。この作品は、のぞき見、親密さ、および公共空間と私的空間の境界を探求しました。
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ツールとしてのテキストと言語

コンセプチュアル アートは、テキストと言語を芸術的表現の中心的かつ強力なツールとして使用することを強く重視しています。この特徴は、この運動の決定的な特徴であり、視覚的美学の伝統的な概念に挑戦するアートの創造につながっています。コンセプチュアル アーティストは、書かれた言葉や話された言葉を使用して、アイデアを表現したり、指示を与えたり、従来の意味に挑戦したりします。テキストベースのアートは、マニフェスト、声明、または物語の形をとることができます。さらに、一般的な単語、フレーズ、表現を使用して、従来の言語の境界を破壊します。この言語の革新は、新しい視点を生み出し、批判的思考を刺激することができます。

たとえば、ローレンス・ワイナーは、テキストベースのアートで知られるコンセプチュアルアーティストで、そのアートは多くの場合、文章や指示書の形で表現されます。1968 年に制作された作品「壁から石膏ボードまたは壁板を 36 インチ x 36 インチで取り除く」では、ワイナーはテキストベースのわかりやすい指示書を提示しています。作品のタイトルは、36 インチ x 36 インチの壁の一部を取り除いて、その背後にある石膏ボードまたは壁板を露出させるという動作を表しています。この作品は、物理的なオブジェクトを一切含まず、文章のみで表現されています。
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「壁から石膏ボードまたは壁板を 36 インチ x 36 インチ除去して下地または支持壁とする」ローレンス・ワイナー著。
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芸術は物に関するものではない

先ほど述べたように、コンセプチュアル アートはコンセプトを重視し、アート作品の背後にあるアイデアやコンセプトが物理的なオブジェクトよりも重要であることを強調することで、アートの概念を再定義します。この文脈では、コンセプト自体がアートとなり、そのコンセプトを物理的なオブジェクトに変えることは単なる形式的なものとみなされます。コンセプチュアル アートは、多くの場合、観客を積極的に巻き込み、タスクの完了、行動の実行、またはコンセプトの解釈を促し、観客をアート作品に命を吹き込む不可欠な部分にします。
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ミニマルな美学
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美学は主な焦点ではありませんが、コンセプチュアル アートの中には、シンプルで飾り気のない形と構造を特徴とするミニマリスト的な美学を特徴とするものもあります。美的要素を最小限に抑えることで、コンセプチュアル アートは、視覚的な魅力に基づく主観的な解釈を減らし、観客の注意が主に作品の知的側面に向けられるようにすることを目指しています。
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コンセプチュアルアートとミニマリズム

1960 年代と 1970 年代のミニマリズムとコンセプチュアル アート運動は、空間と素材に対する私たちの理解に革命をもたらしました。コンセプチュアル アートとミニマリズムはそれぞれ異なる運動ですが、時折交差し、一部のアーティストは両方の要素を作品に取り入れています。たとえば、コンセプチュアル アートとミニマリズムはどちらも、視覚的な表現においてシンプルさを優先することがよくあります。 ミニマリズムはアートを最も基本的な形式にまで縮小しますが、コンセプチュアル アートはアイデアに注意を向けさせるために最小限の美学を採用することがあります。さらに、コンセプチュアル アートとミニマリズムはどちらも、視聴者を知的なレベルで引き込みます。 ミニマリズムは視聴者に形式の本質について熟考するよう促しますが、コンセプチュアル アートは概念やアイデアについて知的な考察を促します。

ミニマリズムとコンセプチュアル アートを区別する最も重要な方法は、その焦点です。 ミニマリズムは、芸術作品の視覚的および形式的な品質に重点を置き、形状、空間、および材料の関係を強調します。対照的に、コンセプチュアル アートは、芸術作品の背後にある概念またはアイデアを優先し、視覚的または美的品質を軽視することがよくあります。さらに、 ミニマリズムは、彫刻や絵画などの伝統的な芸術媒体を、その物理的特性に重点を置いて使用することがよくあります。しかし、コンセプチュアル アートは、テキスト、言語、インスタレーション、パフォーマンスなど、幅広い媒体を網羅できます。

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コンセプチュアルアートに対する反論と批判

コンセプチュアル アートの本質についてお話ししましたが、この芸術形式についてどう思われますか? コンセプチュアル アートに対する反対意見は珍しくありません。通常、私たちは「芸術」を美学と結び付けます。しかし、コンセプチュアル アートは根本的に異なる概念を導入します。過去、芸術は主に尊敬を集める有形の物体を中心に展開されていました。しかし、コンセプチュアル アートは、物理的な物体の作成よりもアイデアや行動の伝達を重視することで、この概念に革命をもたらしました。物理的な痕跡は最小限に抑えられました。これらのアイデアは、芸術作品と見なされるものの範囲を拡大しました。

批評家や鑑賞者の中には、コンセプチュアル アートを理解したり評価したりするのに苦労する人もいるかもしれません。認識できるオブジェクトや技術的に熟練した作品が存在しないなど、従来の視覚的魅力から逸脱しているため、一部の人は作品から切り離されているように感じるかもしれません。さらに、コンセプチュアル アートは、従来の芸術の概念やアーティストの役割に挑戦するため、職人技や伝統的な芸術形式を重視する人々を不安にさせる可能性があります。見た目が単純であるため、コンセプチュアル アートを怠惰と見なし、より伝統的な芸術形式と同じレベルの芸術的スキルと努力を要求するかどうか疑問に思う人もいます。

コンセプチュアル アートは、アート界の商業化への反応として生まれました。コンセプチュアル アートは、アートは主に売買される商品であるという一般的な概念に異議を唱えようとしました。その代わりに、コンセプチュアル アーティストは、アートは物理的なオブジェクト自体ではなく、アート作品の根底にあるアイデアや概念を中心に展開されるべきであると強調しました。この変化は、アートの唯一の裁定者である伝統的なアート市場、ギャラリー、美術館を覆すことを目的とし、アートが単なる商品であるという概念を根本的に疑問視しました。

ローレンス・ワイナーは、この感情を次のように簡潔に表現しています。「私の作品について一度知ってしまえば、それはあなたの所有物です。私が誰かの頭の中に入って、それを取り除こうとすることは絶対にできません。」多くのコンセプチュアル アーティストにとって、作品は写真、文章、展示物などの付随資料を通じてのみ完全に理解できます。これらの補助資料は芸術そのものではなく、むしろ芸術の表現であると主張する人もいるかもしれません。
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コンセプチュアルアーティストとコンセプチュアルアート作品の例

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1. ジョセフ・コスース

コンセプチュアル アートおよびインスタレーション アートの先駆者であるジョセフ コスースは、1960 年代から言語に基づく作品および流用戦略の最前線に立ってきました。彼は一貫して、芸術における言語と意味の生産と役割を深く探究しています。1965 年に、彼は最初のコンセプチュアル アート作品「One and Three Chairs」を制作しました。この作品では、実際の椅子、その写真、および「椅子」という言葉の定義を示すテキストが提示されています。コスースの作品は、私たちが認識する椅子の本質を再考するよう促します。椅子とは、私たちが観察して使用する物理的な物体なのか、それとも、椅子の存在を認識して他の人に伝えるために使用する言語用語「椅子」なのか。
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ジョセフ・コスース『One and Three Chairs』、1965年。
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2. オノ・ヨーコ

オノ・ヨーコは、1960年代にコンセプチュアルアートやパフォーマンスアートの分野で影響力のある活動家として活躍した日本のアーティスト兼ミュージシャンです。また、ミュージシャンのジョン・レノンの妻であり、芸術パートナーとしても世界的に有名になりました。オノ・ヨーコは、芸術と日常生活の境界を打ち破ろうとした前衛芸術家集団であるフルクサス運動の一員として、1960年代に初めて注目を集めました。オノの初期のコンセプチュアルアート作品には、しばしば指示やアイデアが盛り込まれ、鑑賞者が創作プロセスに参加するよう促していました。

「カット ピース」は、1964 年 7 月 20 日にオノ ヨーコが初めて演じたパフォーマンス アートおよび参加型作品の先駆けです。「カット ピース」では、オノ ヨーコが観客の前のステージに座ります。彼女は一番いいスーツを着ており、彼女の前にはハサミが置かれています。観客は、1 人ずつアーティストに近づき、ハサミを使って彼女の服を 1 枚切り取るように求められていることを知らされます。各人が前に進み出て切るとき、彼らはどの程度露出させるか、つまり「切り取る」かを決定します。
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オノ・ヨーコ『カット・ピース』1964年。
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3. ダグラス・ヒューブラー

ダグラス・ヒューブラーは、アメリカのミニマル彫刻家であり、コンセプチュアルアートの先駆者です。1960 年代後半までに絵画や彫刻を放棄し、主に構造やシステムの説明を含む短い文章と、写真、図面、地図などの他の素材を組み合わせた作品で知られています。彼の作品は、視覚情報から意味が引き出される方法を皮肉っぽく解体しています。

1969 年、ダグラス・ヒューブラーは自身の芸術哲学を次のように表現しました。「世界にはすでにたくさんの物があり、その中には他の物よりも興味深いものもあります。私はこれ以上物を作りたくありません。その代わりに、物が存在する時間と場所に基づいて、単に記録することを好むのです。」
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ダグラス・ヒューブラー、Variable Piece #70: Global 81、1973年。

2 年後、彼は「Variable Piece #70: Global 81」というプロジェクトを立ち上げました。そのユニークな目標は、自分の生涯が終わる前に地球上のすべての人々を記録するというものでした。この概念的なアート作品には、行進する兵士の集団など、公共の場での人々の無数の画像を撮影することが含まれていました。また、ヘルメットをかぶっていない兵士の顔を個別に描いた絵画も作成しました。そのアイデアは、時間と場所の瞬間を捉え、人間の存在の移ろいやすさと、変化と可変性の可能性を強調することでした。
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4. バーバラ・クルーガー

バーバラ・クルーガーは、ピクチャーズ・ジェネレーションに所属するアメリカのコンセプチュアル・アーティスト兼コラージュ作家です。彼女は、白黒写真に赤地に白の Futura Bold Oblique または Helvetica Ultra Condensed のテキストで表現された宣言的なキャプションを重ねた独特のコラージュ スタイルでよく知られています。クルーガーの芸術的媒体には、写真、彫刻、グラフィック デザイン、建築、ビデオ、オーディオ インスタレーションが含まれます。クルーガーの芸術的ポートフォリオの文脈では、テキスト、イメージ、批評的なメッセージを取り入れることで、彼女の作品はコンセプチュアル アートの原則に沿っています。


バーバラ・クルーガー、『無題（私たちはもう見られず、聞かれることもない）』より無題、1985年。
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5. マリーナ・アブラモヴィッチ

マリーナ・アブラモヴィッチはセルビアのコンセプチュアル・パフォーマンス・アーティストです。彼女の作品は、ボディーアート、耐久アート、パフォーマーと観客の関係、身体の限界、そして精神の可能性を探求しています。

当初、アブラモビッチは画家だったが、後に概念的なアートワーク、サウンド作品、パフォーマンス アートに焦点を移した。1973 年から 1974 年にかけて、彼女は「リズム」と呼ばれる一連の作品を発表し、自分の体と精神の限界を押し広げようとした。たとえば、「リズム 2」では、彼女はけいれんや発作を引き起こす薬物を試した。1975 年には、「トーマスの唇」を制作し、その中で彼女は自分自身を切ったり、殴ったり、凍らせたりした。彼女の初期の作品の多くは写真で記録され、後に彼女はそのエッセンスを捉えるためにビデオを使用するようになった。



「リズム」は、1974年にマリーナ・アブラモヴィッチが行った2部構成のパフォーマンスでした。
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6. ソル・ルウィット

ソル・ルウィットは、コンセプチュアル アートと関連のあるアメリカの著名な芸術家でした。彼の作品の多くは、コンセプチュアル アートの例と見なすことができます。ルウィットの作品には、基本的な幾何学的形状、数学的概念、システムを使用してアートを制作することが多かったです。彼は、伝統的な職人技よりも、アート作品の背後にあるアイデアやコンセプトを重視した、コンセプチュアルでミニマリスト的なアート制作アプローチで知られています。


ソル・ルウィット『Open Geometric Structure 1』、1990年。
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7. ジョン・バルデッサリ

アメリカのコンセプチュアルアーティスト、ジョン・バルデッサリは、1931年にカリフォルニア州ナショナルシティで生まれました。マリーナ・アブラモヴィッチと同様に、バルデッサリは当初は画家でしたが、1960年代半ばにキャンバスにテキストと写真を組み込み始めました。彼は、見つけた写真や流用した画像を作品に取り入れることで有名になりました。

彼の最も有名な作品の 1 つに「もう退屈なアートは作らない」があります。この作品では、彼は芸術、創造性、反復の本質を問いかけるために、自らに課した罰としてこの文章を繰り返し書いています。ジョン・バルデッサリのコンセプチュアル アート作品は、その知的な深さ、芸術的革新性、そしてイメージとテキストの関係、そして現代アートそのものの本質について、見る人に批判的に考えるよう促す能力により、今も高く評価されています。

ジョン・バルデッサリ『もう退屈な芸術は作らない』1971年。
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8. ローレンス・ワイナー

ローレンス・ワイナーは、ニューヨークのブロンクスで生まれました。1960 年代後半のコンセプチュアル アート界のリーダーの 1 人として、ワイナーはアートとの新たな関係を提唱し、アーティストの地位を再定義した最初の人物の 1 人でした。彼の作品は、伝統的な視覚表現ではなく、アイデア、概念、または指示を伝えるテキスト ベースの作品が一般的です。コンセプチュアル アートを代表する彼の最も有名で象徴的な作品の 1 つは、「As Long as It Lasts」(1968 年) です。
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9. 河原温

河原温は、影響力のある日本のコンセプチュアル アーティストでした。彼は、言語と数字に基づいたアートを通じて、場所と時間の概念を探求することに生涯を捧げました。河原の作品のほとんどは、彼の日常生活と日課を実存的かつ瞑想的な方法でカタログ化したシリーズの一部です。彼は、1960 年代のコンセプチュアル アートの先駆者として知られています。

最も有名なのは、1966 年に最初の「日付絵画」を制作した「Today」シリーズです。この「日付絵画」は、赤、青、または灰色の単色のキャンバスに日付のみが白で描かれています。これが、彼が生涯にわたって制作し続けた「Today」シリーズです。「Today」シリーズは河原の死とともに終了しましたが、この先駆的なコンセプチュアル アーティストの影響は今も生き続けています。


河原温、 4月 24 日 1990 年。
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10. 植松奎二

植松奎二は、戦後の日本の芸術運動「もの派」に関係するコンセプチュアルアーティストです。植松は、写真、ビデオ、彫刻など、さまざまなメディアやオブジェクトを通じて、目に見えない力とその関係性を視覚的に表現しています。身体と物体、物体と環境、そしてそれらすべてに対する関心は、特に重力、引力、そして空間に関連した物理学と天文学への関心と同時に、過去 50 年間で強まってきました。

植松奎二、Wave Motion I、1976年。
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