(Qu'est-ce que la performance artistique ? Comprendre les concepts et les actions - dans le gris)
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Qu'est-ce que la performance artistique ?
L'art de la performance est une forme d'art créée par des actions réalisées par l'artiste ou d'autres participants, qui peuvent être en direct ou enregistrées, spontanées ou scénarisées. L'expression artistique dans l'art de la performance implique l'utilisation du corps, du temps, de l'espace et souvent de divers supports artistiques pour transmettre un concept, un message ou une émotion à un public. Lorsque les artistes ne se sentent pas satisfaits des formes d'art traditionnelles telles que la peinture ou la sculpture, ils se tournent souvent vers l'art de la performance pour insuffler une nouvelle vie à leur travail. Au XXe siècle, l'art de la performance était considéré comme une manière non conventionnelle de créer de l'art. L'utilisation d'actions en direct, de mouvements physiques et la nature temporaire des performances ont fourni aux artistes des alternatives à la nature fixe et durable de la peinture et de la sculpture.
L’art de la performance trouve ses racines dans les mouvements d’avant-garde du début du XXe siècle, tels que le dadaïsme et le futurisme. Les futuristes et les dadaïstes cherchaient tous deux à brouiller la frontière entre acteur et performeur, en utilisant le choc et l’indignation pour attirer l’attention. C’est au sein de ces mouvements d’avant-garde que le concept d’art de la performance a commencé à prendre forme. Dans les années 1960, l’art a connu une évolution significative. Au lieu de se concentrer uniquement sur l’esthétique, les artistes ont commencé à donner la priorité aux idées derrière leur art. Ce changement, connu sous le nom d’ art conceptuel, a souligné que l’accent était mis en premier lieu sur le concept ou l’idée plutôt que sur la seule apparence visuelle. Ce changement de pensée a ouvert la voie à l’art de la performance. Dans l’art de la performance, l’accent est mis sur l’idée et l’expérience plutôt que sur la création d’un objet physique comme une peinture ou une sculpture. Parmi les principaux pionniers de l’art de la performance figurent Joseph Beuys, Yoko Ono, Marina Abramović, Tehching Hsieh, Yves Klein et Vito Acconci.
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Caractéristiques clés de l'art de la performance
Le terme « art de la performance » désigne une forme d’art contemporain qui a émergé dans la seconde moitié du XXe siècle. Bien que le sens de l’art de la performance puisse être facilement interprété à partir des mots seuls, nous pensons que les caractéristiques clés décrites ci-dessous le rendent plus spécifique.
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Action en direct
L'art de la performance est généralement éphémère et vécu en temps réel, ce qui signifie que la présence en direct de l'artiste est un aspect fondamental et que le public assiste au déroulement de l'œuvre au fur et à mesure. Imaginez l'art de la performance comme l'utilisation d'une toile, et cette toile peut être une personne. L'essentiel est d'exprimer quelque chose à travers l'action. C'est pourquoi on l'appelle aussi « art d'action » ou « action artistique ». De plus, l'artiste de performance allemand Joseph Beuys a privilégié le terme « actions » pour décrire ses performances. Ce terme résume la nature dynamique et spontanée de ces expressions artistiques.
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Le temps comme moyen
Le temps est un élément crucial dans l'art de la performance. Les performances se déroulent sur une durée spécifique et le passage du temps contribue à l'expérience globale et à l'impact. Par exemple, l'une des performances de Marina Abramović, « The Artist is Present », est l'une des œuvres les plus longues de ce médium. Le public est autorisé à s'asseoir en face d'Abramović aussi longtemps qu'il le souhaite, créant ainsi une connexion intime et intense entre l'artiste et le public.
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Marina Abramović, The Artist Is Present (2010), Museum of Modern Art, New York. Ulay, l'ancien partenaire d'Abramović, la rejoint lors de sa performance lors de la rétrospective de sa carrière.
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Le corps humain dans la performance artistique
Dès 1918, l'artiste allemand Oskar Schlemmer, dans ses écrits, indique clairement l'évolution de son engagement dans l'art de la performance, en détaillant la construction et l'exécution de ses œuvres performatives. Dépassant le corps comme mesure de l'espace, Schlemmer entend mettre en avant « la figure humaine comme événement ».
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« Oskar Schlemmer, l'artiste danseur » au musée Pompidou-Metz. Image reproduite avec l'aimable autorisation du musée Pompidou-Metz.
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Dans l’art de la performance, le corps humain devient un médium essentiel, un outil dynamique et expressif pour transmettre des idées, des émotions et des récits. L’art de la performance embrasse souvent la vulnérabilité et l’authenticité du corps humain. Les artistes peuvent exposer des émotions brutes, une endurance physique ou des expériences personnelles, invitant le public à se connecter aux aspects authentiques et non filtrés de l’existence humaine.
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Existence temporaire
Grâce à la performance, nous réalisons clairement que toutes les œuvres d’art ne sont pas destinées à être accrochées au mur ou posées au sol. Alors que nous associons généralement l’art à des objets tangibles, la performance n’existe que pendant son exécution en direct. Bien qu’elle invite le public à participer et crée une expérience unique à chaque occurrence, les personnes qui ne sont pas présentes peuvent ne pas ressentir le même niveau d’empathie.
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Documentation de l'art de la performance
En raison de la nature éphémère de l'art de la performance, le processus de documentation devient un aspect crucial de la préservation et du partage de ces créations cinétiques. Les artistes de la performance s'appuient souvent sur des photographies, des vidéos ou d'autres supports pour capturer l'énergie et l'émotion de l'événement. Parfois, la documentation peut inclure des entretiens avec l'artiste ou des déclarations écrites, offrant un aperçu des motivations, des concepts et des intentions derrière la performance. Ces récits offrent un contexte et enrichissent la compréhension de l'œuvre d'art. Si l'œuvre d'art de la performance s'appuie sur des vidéos, cela signifie que la parole, la musique ou tout autre composant sonore peuvent influencer non seulement les éléments visuels, mais aussi les gestes et l'atmosphère générale.
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Artistes de performance et exemples de leurs œuvres
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1. Yves Klein
Yves Klein réalisant une Anthropométrie dans son atelier, 14, rue Campagne-Première, Paris, France 1960.
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L'artiste français Yves Klein est connu pour avoir développé et popularisé le bleu Klein international. Au-delà de ses contributions à la couleur dans l'art, Klein a été une figure pionnière dans le développement de l'art de la performance. Il est reconnu comme une source d'inspiration et un précurseur de l'art minimal et du pop art.
Dans ses peintures Anthropométrie, Yves Klein a orchestré des performances élaborées devant un public. Vêtu d'un nœud papillon et d'un costume, Klein dirigeait des modèles féminins qui se couvraient de peinture. Utilisant le corps humain comme pinceau, les modèles, parés de son pigment bleu caractéristique, imprimaient leur corps sur des toiles, créant ainsi des œuvres d'art abstraites et expressives.
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2. Tehching Hsieh
Tehching Hsieh, spectacle d'un an (1978-1979)
Tehching Hsieh est un artiste taïwanais-américain connu pour ses œuvres conceptuelles et performatives. Ses œuvres comportent souvent des éléments extrêmement durables, explorant le concept du temps et repoussant les limites du corps humain.
Parmi les créations les plus remarquables de Hsieh figurent ses cinq « One Year Performances », réalisées entre 1978 et 1986. La première d'entre elles, connue sous le nom de Cage Piece, impliquait que l'artiste passe une année entière dans une cellule de prison. Pendant toute cette durée, Hsieh s'abstenait de lire, d'écrire, de parler, de regarder la télévision ou d'écouter la radio. Cette performance artistique est complétée par 365 photographies méticuleusement prises, chacune documentant la progression quotidienne du temps.
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3. Marina Abramovic 
Marina Abramović. Rythme 0. 1974
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En parlant de performance, on ne peut passer sous silence Marina Abramović, qui se considère comme la « grand-mère de la performance ». Cette artiste conceptuelle et performeuse serbe est connue pour son exploration de l'art corporel, de l'art de l'endurance, de la relation entre l'interprète et le public, des limites du corps et des possibilités de l'esprit. Abramović a été la pionnière d'une nouvelle notion d'identité en intégrant la participation des observateurs, en se concentrant sur « la confrontation à la douleur, au sang et aux limites physiques du corps ».
Dans l'une des performances de Marina Abramović, « Rhythm 0 », réalisée en 1974, Abramović a placé 72 objets sur une table, dont une rose, une plume, un fouet, un pistolet et même une balle. Pendant la performance, Abramović est restée impassible, s'abandonnant complètement à son public. Elle a permis au public d'utiliser les objets sur son corps comme il le souhaitait. La performance a duré six heures et, au fil du temps, elle est devenue de plus en plus agressive. À la fin, Abramović est restée nue, avec du sang et des larmes aux yeux.
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4. Joseph Beuys 
Joseph Beuys lors de sa représentation de "Comment expliquer les images à un lièvre mort" (Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt) à la galerie Schelma, Düsseldorf, le 26 novembre 1965.
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Joseph Beuys était un artiste allemand de la performance, un professeur, un sculpteur d'avant-garde et une figure influente dans le monde de l'art contemporain. Beuys a été reconnu pour sa « conception élargie de l'art », dans laquelle les principes de la sculpture sociale avaient le potentiel de transformer la société. et la politique. Il croyait que la vie est une sculpture sociale façonnée par chacun.
En 1965, Joseph Beuys réalise la performance « Comment expliquer des images à un lièvre mort ». Le public ne peut observer la scène qu'à travers les fenêtres. Beuys se couvre la tête de miel et de feuilles d'or et murmure à un lièvre mort. Comme sa chaussure gauche est attachée à du feutre et sa droite à de l'acier, lorsqu'il se promène dans la pièce, le silence est troublé par le bruit intermittent de ses pas. Au bout de trois heures, le public est autorisé à entrer dans la salle. Beuys s'assoit sur un tabouret dans l'entrée, le lièvre sur son bras et tourne le dos aux spectateurs.
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5. Chris Burden 
En 1971, Chris Burden a créé une œuvre d'art performative intitulée « Shoot ».
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Non seulement Marina Abramovic, mais aussi l'artiste performeur Chris Burden ont poussé l'art et son corps à l'extrême. Cet artiste américain a travaillé dans les domaines de la performance, de la sculpture et de l'installation. Burden s'est fait connaître dans le monde de l'art dans les années 1970 grâce à ses œuvres audacieuses et innovantes.
L'une des premières et plus célèbres performances de Burden est « Shoot », dans laquelle un ami lui tire dans le bras avec un fusil de calibre .22 à une distance de quinze pieds. La performance, qui ne dure qu'environ huit secondes, a été enregistrée sur pellicule Super-8. Aujourd'hui encore, cette œuvre évoque le trouble et reste aussi dérangeante qu'elle l'était alors. Le but de cet acte était d'explorer les thèmes de la vulnérabilité, du danger et des limites du corps comme forme d'expression artistique. Pour Chris Burden, comme il le dit, « limites » est un terme relatif, tout comme la beauté, qui est souvent dans l'œil de celui qui regarde.
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6. Suzy Lake
Suzy Lake. Étude ImPositions n° 2. 1977
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Suzy Lake est une artiste américano-canadienne connue pour son travail de photographe, de performeuse et de productrice vidéo. Elle a été l'une des premières femmes artistes au Canada à adopter la performance, la vidéo et la photographie pour explorer les questions de genre, de corps et d'identité.
En 1977, Suzy Lake a réalisé une série révolutionnaire intitulée ImPositions pour explorer l’idée de contrôle. L’exposition comprend des photos rarement vues, des études et des négatifs étirés uniques qui témoignent de son dévouement à essayer différents formats et techniques. Dans ImPositions Study #2, on peut voir Lake attachée avec une corde, explorant les thèmes de l’enfermement, du contrôle, de la lutte et peut-être de l’autonomisation. Elle pensait qu’en chauffant le film photographique et en l’étirant, elle pourrait renforcer l’impact des actions capturées dans les images.
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7. Matthew Barney 
Matthew Barney. Dessiner avec retenue 5. 1989
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Matthew Barney est un artiste contemporain et réalisateur américain qui travaille dans les domaines de la sculpture, du cinéma, de la photographie et du dessin. Il est diplômé de l'Université Yale en 1989. Depuis, il a créé des œuvres qui combinent des installations sculpturales avec des performances et des vidéos.
En 1988, Matthew Barney a lancé la série « Drawing Restraint », qui a depuis compté seize performances à ce jour. Dans ces œuvres, Barney se soumet fréquemment à des contraintes physiques pendant l'acte de dessiner ou de créer. Ces contraintes peuvent prendre diverses formes, comme être attaché à des objets, porter des vêtements restrictifs ou limiter ses mouvements d'une manière ou d'une autre. Malgré les obstacles physiques et psychologiques qu'il s'impose, il persiste à créer des marques graphiques, intégrant habilement ces contraintes dans le processus artistique. Au fil de la série, chaque performance a été méticuleusement documentée sur vidéo ou film.
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8. Carolee Schneemann 
Carolee Schneemann. Eye Body # 24 de Eye Body : 36 actions transformatrices pour la caméra. 1963
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Carolee Schneemann est une artiste expérimentale américaine connue pour ses performances artistiques provocantes et est considérée comme la pionnière du body art. Elle a joué un rôle central dans le mouvement artistique féministe des années 1960 et 1970, remettant en question les notions traditionnelles du corps féminin, de la sexualité et des rôles de genre.
Carolee Schneemann disait souvent : « Je voulais que mon corps soit associé à l’œuvre comme un matériau intégral. » Cette déclaration explique parfaitement comment elle a utilisé son propre corps comme principal moyen d’expression. Dans l’une de ses performances, « Eye Body: 36 Transformative Actions for Camera », Schneemann a peint son corps nu et a réalisé une série d’actions, explorant la relation entre le corps féminin et l’art. Dans cette performance, elle a utilisé des pinceaux, des miroirs et une large gamme de symboles peints sur son corps, brouillant les frontières entre peinture et performance.
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9. Shozo Shimamoto 
Shozo Shimamoto peint en lançant des bouteilles de verre remplies de peinture sur une toile lors de la 2e exposition d'art Gutai en 1956.
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Shozo Shimamoto était un artiste japonais associé à la Gutai Art Association, un collectif d'avant-garde d'après-guerre qui a émergé au Japon dans les années 1950. Shimamoto a utilisé une grande variété de techniques, comme percer des trous dans des feuilles de papier journal, jeter des bouteilles de peinture sur des toiles, expérimenter des performances cinématographiques et scéniques et composer de l'art sonore. Il était particulièrement connu pour ses performances artistiques innovantes.
Shozo Shimamoto est devenu célèbre grâce à ses « Bottle Crash Events », dans lesquels il lançait des bouteilles en verre remplies de peinture sur des toiles ou des surfaces, créant une explosion de couleurs éclatantes. Le fait de lancer les bouteilles et les éclaboussures de peinture qui en résultaient étaient des éléments cruciaux du processus artistique. Par exemple, lors de la « 2e exposition d'art Gutai » organisée à Ohara Kaikan à Tokyo, Shimamoto a créé une peinture en lançant énergiquement des bouteilles en verre remplies de peinture sur une toile.
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10. Rebecca Horn 
Rebecca Horn. Unicorn. 1970
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Rebecca Horn est une artiste plasticienne allemande qui appartient à une génération d'artistes qui a acquis une renommée internationale dans les années 1980. Bien qu'elle soit connue pour son travail dans le domaine de l'art corporel, elle s'intéresse également à divers autres médias, notamment la performance, l'installation, la sculpture et le cinéma.
L'une des performances artistiques les plus célèbres et les plus emblématiques de Rebecca Horn est « Unicorn ». Il s'agit d'un film réalisé en 1970. Dans cette performance, la licorne est une sculpture blanche conçue pour être portée par une performeuse qui marche dans la campagne pendant 12 heures. Cette performance artistique explore les thèmes de la transformation, de la mythologie et de la fusion de l'humain et du mythique. Le commissaire d'exposition Germano Celant l'a identifiée comme une manifestation intentionnelle de la magie blanche de Rebecca Horn, dans laquelle une femme tente de triompher de la réalité et de la société.
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La relation entre l'art conceptuel et l'art de la performance
Si vous avez déjà lu notre article précédent sur l'art conceptuel, vous avez peut-être remarqué que l'art conceptuel et l'art de la performance partagent des points communs et des intersections. Ces deux mouvements influents ont émergé au milieu du XXe siècle et sont centrés sur les idées. Cependant, le passage de l'art conceptuel basé sur l'objet à la primauté des idées a eu un impact significatif sur l'art de la performance. Certains artistes ont commencé à explorer le potentiel des actions en direct comme moyen de transmettre un contenu conceptuel. L'art conceptuel mettant l'accent sur la dématérialisation, où l'objet physique devient moins important, cela encourage les artistes à utiliser leur corps et leurs actions comme principaux moyens d'expression artistique.
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