Mel Bochner, Dessins de travail et autres choses visibles sur papier qui ne sont pas nécessairement destinés à être considérés comme de l'art, École des arts visuels, 1966.
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Qu'est-ce que l'art conceptuel ?
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L’art conceptuel, qui a émergé dans les années 1960, est un mouvement dans lequel l’accent n’est pas mis sur l’objet d’art fini, mais plutôt sur l’idée ou le concept sous-jacent qui sous-tend l’œuvre. En d’autres termes, l’art conceptuel met davantage l’accent sur les dimensions intellectuelles et philosophiques de l’œuvre d’art, par opposition à ses qualités visuelles ou esthétiques. Les artistes conceptuels ont fondamentalement remis en question les notions conventionnelles de l’art. Ils ont soutenu que l’idée avait plus d’importance que l’œuvre d’art physique elle-même, allant jusqu’à suggérer que l’idée, dans son essence, constituait l’art, et non l’œuvre physique.
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L'histoire de l'art conceptuel
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Lorsqu’on évoque les origines de l’art conceptuel, il est essentiel de mentionner Marcel Duchamp. Il est souvent considéré comme un précurseur important de l’art conceptuel, avec sa création de 1917, la « Fontaine », considérée comme l’une des premières œuvres d’art conceptuelles. L’utilisation par Duchamp d’objets du quotidien, qu’il qualifiait d’art, préfigurait l’accent mis par le mouvement sur les idées plutôt que sur l’esthétique. Si Duchamp est souvent considéré comme un pionnier de l’art conceptuel, il est essentiel de reconnaître que le mouvement de l’art conceptuel a pleinement prospéré dans les années 1960 et 1970, avec des contributions importantes d’artistes comme Sol LeWitt, Joseph Kosuth et Lawrence Weiner.
Marcel Duchamp, Fontaine, 1917.
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Le mouvement d'art conceptuel, qui a émergé au milieu des années 1960 et s'est poursuivi jusqu'au milieu des années 1970, était international et se déroulait plus ou moins simultanément en Europe, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. L'art conceptuel a pris de l'importance au cours des années 1960, lorsque les artistes ont commencé à explorer l'idée selon laquelle l'art concernait avant tout le concept ou l'idée derrière l'œuvre plutôt que le produit fini. Cela a marqué une réaction contre la domination de l'expressionnisme abstrait et la commercialisation de l'art.
Les artistes conceptuels cherchaient à échapper à l'influence croissante du monde de l'art commercial en mettant l'accent sur l'importance de la réflexion et de la manière dont ils créaient leurs œuvres. Ils choisissaient souvent des formes d'art qui ne donnaient pas lieu à un produit final, comme des sculptures ou des peintures. Cela rendait leurs créations difficiles à acheter ou à vendre et éliminait la nécessité de les exposer dans des galeries traditionnelles.
Sol LeWitt, figure centrale du mouvement de l'art conceptuel, a apporté des contributions importantes grâce à son essai révolutionnaire de 1967, « Paragraphs on Conceptual Art ». Dans cet essai, il a souligné l'importance des idées par rapport à l'exécution physique de l'œuvre d'art, faisant passer le rôle de l'artiste d'artisan à celui de penseur. Les célèbres « Wall Drawings » de LeWitt illustrent cette approche, avec des instructions détaillées à exécuter par d'autres.
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Sol LeWitt, Sans titre de Carrés avec une direction de ligne différente dans chaque demi-carré, 1971.
Les caractéristiques de l'art conceptuel
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Les caractéristiques de l'art conceptuel peuvent être décrites de manière concise comme uniques, souvent aléatoires ou incomplètes, et indéniablement avant-gardistes. Cependant, il est important de noter que ces caractéristiques sont distinctives et distinguent l'art conceptuel des formes d'art traditionnelles. Voici quelques caractéristiques clés de l'art conceptuel :
L'accent sur les idées
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L'art conceptuel se définit par son intérêt premier pour les idées et les concepts. Contrairement à l'art traditionnel qui privilégie l'objet physique, l'art conceptuel considère l'idée elle-même comme le cœur de l'œuvre d'art. Cette approche remet en question les formes d'art traditionnelles, encourage l'engagement du public et couvre un large éventail de thèmes. Par exemple, « One and Three Chairs » de Joseph Kosuth souligne la façon dont le concept prend le pas sur l'objet physique, invitant les spectateurs à contempler plusieurs niveaux de signification. L'accent mis par l'art conceptuel sur les idées influence toujours l'art contemporain , encourageant les gens à réfléchir profondément et à s'engager intellectuellement comme un élément essentiel de la création et de l'appréciation de l'art.
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Formes diverses
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En découvrant les œuvres conceptuelles, on se rend vite compte qu’elles s’éloignent des formes d’art traditionnelles comme la peinture ou la sculpture. L’art conceptuel englobe un large éventail de formes, notamment des installations, des performances, des textes, des photographies, etc. On peut le considérer comme une réponse à la commercialisation croissante de l’art et aux contraintes imposées par l’éducation artistique traditionnelle.
La performance occupe une place importante dans l'art conceptuel. Les artistes utilisent leur corps et leurs actions pour transmettre des concepts, brouillant souvent les frontières entre l'art et la vie. Ces performances peuvent être présentées en direct ou documentées par des photographies et des vidéos.
Vito Acconci, Seed Bed, 1972. Mise en page graphique, 4 panneaux © Estate of Vito Acconci, Tous droits réservés
« Seedbed » de Vito Acconci, créée en 1972, est une performance très influente et controversée dans le monde de l'art conceptuel. Dans cette performance, Acconci se cache sous un faux plancher dans une galerie et parle à haute voix de ses fantasmes sur les visiteurs qui marchent au-dessus de lui. La pièce explore le voyeurisme, l'intimité et la frontière entre l'espace public et l'espace privé.
Le texte et la langue comme outil
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L’art conceptuel met fortement l’accent sur l’utilisation du texte et du langage comme outils centraux et puissants de l’expression artistique. Cette caractéristique est un trait caractéristique du mouvement et a conduit à la création d’œuvres d’art qui remettent en question les notions traditionnelles d’esthétique visuelle. Les artistes conceptuels utilisent des mots écrits ou parlés pour exprimer des idées, donner des instructions ou remettre en question les significations conventionnelles. L’art basé sur le texte peut prendre la forme de manifestes, de déclarations ou de pièces narratives. En outre, ils utilisent des mots, des phrases et des expressions courantes de manière à perturber les frontières linguistiques traditionnelles. Cette innovation linguistique peut générer de nouvelles perspectives et stimuler la pensée critique.
Lawrence Weiner, par exemple, est un artiste conceptuel connu pour son art basé sur le texte, qui prend souvent la forme de déclarations ou d'instructions écrites. Dans son œuvre « A 36" x 36" Removal to the Lathing or Support Wall of Plaster or Wallboard from a Wall », créée en 1968, Weiner présente une instruction textuelle simple. Le titre de l'œuvre décrit l'action : retirer une section d'un mur mesurant 36 pouces sur 36 pouces pour révéler le lattage ou le mur de soutien derrière lui. Cette œuvre existe uniquement sous la forme d'une déclaration écrite, sans aucun objet physique. 
Un retrait de 36" x 36" du plâtre ou des plaques de plâtre d'un mur sur le lattage ou le mur de support par Lawrence Weiner.
L'art n'est pas une question d'objet
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Comme nous l’avons mentionné précédemment, l’art conceptuel met davantage l’accent sur le concept, redéfinissant l’idée d’art en soulignant que l’idée ou le concept derrière l’œuvre d’art est plus important que l’objet physique. Dans ce contexte, le concept lui-même devient de l’art, et transformer ce concept en objet physique est considéré comme une simple formalité. L’art conceptuel implique souvent le public de manière active, l’invitant à accomplir des tâches, à prendre des mesures ou à interpréter le concept, ce qui en fait une partie intégrante de la réalisation de l’œuvre d’art.
Esthétique minimaliste
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Bien que l'esthétique ne soit pas l'objectif principal, certains arts conceptuels présentent une esthétique minimaliste, caractérisée par des formes et des structures simples et épurées. En minimisant les éléments esthétiques, l'art conceptuel vise à réduire les interprétations subjectives basées sur l'attrait visuel, garantissant que l'attention du public soit principalement dirigée vers les aspects intellectuels de l'œuvre.
Art conceptuel et minimalisme
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Le minimalisme et l’art conceptuel des années 1960 et 1970 ont révolutionné notre compréhension de l’espace et des matériaux. Bien que l’art conceptuel et le minimalisme soient des mouvements distincts, ils se croisent parfois, certains artistes mélangeant des éléments des deux dans leurs œuvres. Par exemple, l’art conceptuel et le minimalisme privilégient souvent la simplicité dans leur présentation visuelle. Le minimalisme réduit l’art à ses formes les plus élémentaires, tandis que l’art conceptuel peut utiliser une esthétique minimale pour attirer l’attention sur l’idée. De plus, l’art conceptuel et le minimalisme engagent tous deux le spectateur sur le plan intellectuel. Le minimalisme encourage le spectateur à contempler l’essence de la forme, tandis que l’art conceptuel invite à la réflexion intellectuelle sur le concept ou l’idée.
La principale différence entre le minimalisme et l’art conceptuel réside dans leur approche. Le minimalisme se concentre sur les qualités visuelles et formelles de l’objet d’art, en mettant l’accent sur la relation entre la forme, l’espace et les matériaux. En revanche, l’art conceptuel privilégie le concept ou l’idée derrière l’œuvre d’art, minimisant souvent les qualités visuelles ou esthétiques. De plus, le minimalisme utilise souvent des supports artistiques traditionnels, tels que la sculpture et la peinture, en mettant l’accent sur leurs propriétés physiques. Mais l’art conceptuel peut englober un large éventail de supports, notamment le texte, le langage, les installations et les performances.
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Les objections et les critiques de l'art conceptuel
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Après avoir discuté de l’essence de l’art conceptuel, que pensez-vous de cette forme d’art ? Les objections à l’art conceptuel ne sont pas inhabituelles. En général, nous associons « l’art » à l’esthétique. Néanmoins, l’art conceptuel introduit un concept fondamentalement différent. Dans le passé, l’art était principalement centré sur des objets tangibles qui suscitaient le respect. Cependant, l’art conceptuel a révolutionné cette notion en mettant l’accent sur la communication d’idées et d’actions plutôt que sur la création d’objets physiques. Il a laissé derrière lui des traces physiques minimes. Ces idées ont élargi le champ de ce qui pourrait être considéré comme une œuvre d’art.
Certains critiques et spectateurs peuvent avoir du mal à comprendre ou à apprécier l'art conceptuel. Son éloignement de l'attrait visuel traditionnel, notamment l'absence d'objets reconnaissables ou d'œuvres d'art techniquement maîtrisées, peut donner à certains le sentiment d'être déconnectés de l'œuvre. De plus, l'art conceptuel remet en question les notions conventionnelles de l'art et du rôle de l'artiste, ce qui peut déstabiliser ceux qui apprécient l'artisanat et les formes d'art traditionnelles. D'apparence simpliste, certains peuvent percevoir l'art conceptuel comme paresseux et se demander s'il exige le même niveau de compétence artistique et d'effort que les formes d'art plus traditionnelles.
L’art conceptuel est né en réponse à la commercialisation du monde de l’art. Il cherchait à remettre en question l’idée dominante selon laquelle l’art était avant tout une marchandise à acheter et à vendre. Les artistes conceptuels ont plutôt mis l’accent sur le fait que l’art devrait s’articuler autour des idées et des concepts qui sous-tendent l’œuvre d’art, plutôt que sur l’objet physique lui-même. Ce changement visait à subvertir le marché de l’art traditionnel, les galeries et les musées en tant qu’uniques arbitres de l’art, et il remettait fondamentalement en question l’idée selon laquelle l’art est une simple marchandise.
Lawrence Weiner a résumé ce sentiment de manière concise en déclarant : « Une fois que vous avez connaissance d’une de mes œuvres, vous en êtes propriétaire. Je ne peux en aucun cas entrer dans la tête de quelqu’un et l’enlever. » Pour de nombreux artistes conceptuels, leur œuvre ne peut être pleinement comprise qu’à travers la documentation qui l’accompagne, comme des photographies, des textes écrits ou des objets exposés. Certains pourraient soutenir que ces documents d’accompagnement ne sont pas l’art lui-même, mais plutôt des manifestations de celui-ci.
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Exemples d'artistes conceptuels et d'œuvres d'art conceptuelles
1. Joseph Kosuth
Joseph Kosuth, pionnier de l'art conceptuel et de l'installation, est à l'avant-garde des œuvres basées sur le langage et des stratégies d'appropriation depuis les années 1960. Son exploration constante se penche sur la production et le rôle du langage et du sens dans l'art. En 1965, il crée sa première œuvre conceptuelle, « One and Three Chairs », qui présente une chaise réelle, sa photographie et un texte fournissant la définition du mot « chaise ». L'œuvre de Kosuth nous incite à reconsidérer l'essence d'une chaise dans notre perception : est-ce l'objet physique que nous observons et utilisons, ou est-ce le terme linguistique « chaise » que nous employons pour reconnaître et transmettre son existence aux autres ? 
Joseph Kosuth, Une et trois chaises, 1965.
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2. Yoko Ono
Yoko Ono est une artiste et musicienne japonaise qui a été une artiste influente dans le domaine de l'art conceptuel et de la performance dans les années 1960. Elle a également acquis une renommée internationale en tant qu'épouse et partenaire artistique du musicien John Lennon. Yoko Ono s'est fait connaître dans les années 1960 au sein du mouvement Fluxus , un groupe d'artistes avant-gardistes qui cherchaient à briser les frontières entre l'art et la vie quotidienne. Les premières œuvres conceptuelles d'Ono comportaient souvent des instructions et des idées, invitant les spectateurs à participer au processus créatif.
« Cut Piece » est une œuvre pionnière de l'art de la performance et du travail participatif, réalisée pour la première fois par Yoko Ono le 20 juillet 1964. Dans « Cut Piece », Yoko Ono est assise sur une scène devant un public. Elle est vêtue de son plus beau costume et une paire de ciseaux est placée devant elle. Le public est informé qu'il est invité à s'approcher de l'artiste un par un et à utiliser les ciseaux pour couper un morceau de son vêtement. Lorsque chaque personne s'avance pour couper, elle décide de la quantité qu'elle est prête à exposer ou à « couper ». 
Yoko Ono, Pièce coupée, 1964.
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3. Douglas Huebler
Douglas Huebler est un sculpteur minimaliste américain et un pionnier de l'art conceptuel. À la fin des années 1960, il a abandonné la peinture et la sculpture, et il est principalement connu pour son travail qui combine de courtes déclarations écrites, contenant généralement une description d'une structure ou d'un système, avec d'autres matériaux tels que des photographies, des dessins et des cartes. Son travail déconstruit avec ironie la manière dont le sens est dérivé de l'information visuelle.
En 1969, Douglas Huebler exprimait sa philosophie artistique en disant : « Le monde a déjà beaucoup d'objets, certains plus intéressants que d'autres, et je ne veux pas créer plus d'objets. Au lieu de cela, je préfère simplement enregistrer les choses en fonction du moment et du lieu où elles existent. » 
Douglas Huebler, Pièce variable n° 70 : Global 81, 1973.
Deux ans plus tard, il lance un projet intitulé « Variable Piece #70: Global 81 » avec un objectif unique : documenter chaque personne sur la planète avant la fin de sa vie. Cette œuvre conceptuelle consiste à capturer d'innombrables images de personnes dans des situations publiques, comme un groupe de soldats en marche. Il crée également des peintures individuelles de leurs visages sans casque. L'idée est de capturer un moment dans le temps et dans l'espace, en soulignant la nature transitoire de l'existence humaine et le potentiel de changement et de variabilité.
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4. Barbara Kruger
Barbara Kruger est une artiste conceptuelle et collagiste américaine associée à la Pictures Generation. Elle est surtout connue pour son style de collage distinctif, qui intègre des photographies en noir et blanc superposées à des légendes déclaratives présentées en texte Futura Bold Oblique blanc sur rouge ou en Helvetica Ultra Condensed. Les médiums artistiques de Kruger englobent la photographie, la sculpture, le graphisme, l'architecture, la vidéo et les installations audio. Dans le contexte du portfolio artistique de Kruger, son incorporation de texte, d'images et de messages critiques aligne son travail sur les principes de l'art conceptuel. 
Barbara Kruger, Sans titre de Sans titre (Nous ne serons plus vus ni entendus), 1985.
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5. Marina Abramović
Marina Abramović est une artiste conceptuelle et performeuse serbe. Son travail explore l'art corporel, l'art de l'endurance, la relation entre l'interprète et le public, les limites du corps et les possibilités de l'esprit.
Au départ, Abramović était peintre, mais elle s'est ensuite tournée vers l'art conceptuel, les pièces sonores et la performance. En 1973-1974, elle a réalisé une série d'œuvres intitulée « Rhythm », conçue pour repousser les limites de son corps et de son esprit. Par exemple, dans « Rhythm 2 », elle a expérimenté des drogues qui provoquaient des convulsions ou des crises d'épilepsie. En 1975, elle a créé « The Lips of Thomas », au cours de laquelle elle s'est soumise à des coupures, des coups et des brûlures. Beaucoup de ses premières œuvres ont été documentées par des photographies, et elle a ensuite utilisé la vidéo pour en capturer l'essence. 
« Rhythm » était une performance en deux parties réalisée par Marina Abramović en 1974.
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6. Sol LeWitt
Sol LeWitt était un artiste américain de premier plan associé à l'art conceptuel. Nombre de ses œuvres peuvent être considérées comme des exemples d'art conceptuel. Le travail de LeWitt impliquait souvent l'utilisation de formes géométriques de base, de concepts mathématiques et de systèmes pour créer de l'art. Il est connu pour son approche conceptuelle et minimaliste de la création artistique, mettant l'accent sur l'idée ou le concept derrière l'œuvre d'art plutôt que sur l'artisanat traditionnel. 
Sol LeWitt, Structure géométrique ouverte 1, 1990.
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7. John Baldessari
L'artiste conceptuel américain John Baldessari est né à National City, en Californie, en 1931. Comme Marina Abramović, il était à l'origine peintre, mais au milieu des années 1960, Baldessari a commencé à intégrer du texte et de la photographie dans ses toiles. Il est devenu célèbre pour avoir incorporé des photographies trouvées et des images appropriées dans son travail.
L'une de ses œuvres les plus célèbres est « I Will Not Make Any More Boring Art » (Je ne ferai plus d'art ennuyeux), dans laquelle il répétait cette phrase comme une forme de punition auto-imposée, remettant en question la nature de l'art, de la créativité et de la répétition. Les œuvres conceptuelles de John Baldessari continuent d'être célébrées pour leur profondeur intellectuelle, leur innovation artistique et leur capacité à inciter les spectateurs à réfléchir de manière critique à la relation entre image et texte, ainsi qu'à la nature même de l'art contemporain .
John Baldessari, Je ne ferai plus d’art ennuyeux, 1971.
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8. Lawrence Weiner
Lawrence Weiner est né dans le Bronx, à New York. Figure de proue de l'art conceptuel à la fin des années 1960, il a été l'un des premiers à proposer une nouvelle relation avec l'art et à redéfinir le statut de l'artiste. Ses œuvres se composent généralement de textes qui véhiculent des idées, des concepts ou des instructions, plutôt que des représentations visuelles traditionnelles. L'une de ses œuvres les plus célèbres et les plus emblématiques représentant l'art conceptuel s'intitule « As Long as It Lasts » (1968).
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9. Sur Kawara
On Kawara était un artiste conceptuel japonais influent. Il a consacré sa vie à explorer les notions de lieu et de temps à travers un art basé sur le langage et les nombres. La plupart des œuvres de Kawara font partie de séries qui cataloguent sa vie quotidienne et ses routines de manière existentielle et méditative. Il est reconnu comme un pionnier de l'art conceptuel des années 1960.
Il est surtout connu pour sa série Today, qui lui a valu la première de ses Date Paintings en 1966. Ces Date Paintings sont des toiles monochromes en rouge, bleu ou gris, sur lesquelles seule la date est peinte en blanc. Elles constituent la série Today qu'il a continué à produire tout au long de sa vie. Bien que la série Today ait pris fin avec le décès de Kawara, l'influence de cet artiste conceptuel pionnier perdure. 
Sur Kawara. AVR. 24, 1990. 1990.
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10. Keiji Uematsu
Keiji Uematsu est un artiste conceptuel associé au mouvement artistique japonais d'après-guerre Mono-ha. Uematsu exprime visuellement les forces invisibles et leurs relations à travers divers médias et objets, notamment des photographies, des vidéos et des sculptures. Son intérêt pour l'exploration des relations et des interactions entre le corps et l'objet, l'objet et l'environnement, et parmi tous ces concepts, s'est intensifiée au cours des cinquante dernières années, coïncidant avec une fascination pour la physique et l'astronomie, en particulier en relation avec la gravité, la gravitation et l'espace.
Keiji Uematsu Wave Motion I, 1976.
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