必見！知っておきたいモダンアートの8つの重要な流派

ルネッサンス以来、 モダンアートは他のどの芸術運動よりも長く続いています。1890 年代から、一連の多様な運動やスタイルが生まれ、現在私たちがモダンアートと呼んでいるものの基礎が築かれました。これらの運動は、西洋の視覚文化における最も偉大な成果の 1 つとして広く認められています。今日は、 モダンアートの進路を形作った 8 つの主要な運動について詳しく見ていきます。

1. 印象派：モダンアートの誕生

まず最初に、 印象派についてお話しします。これは、芸術家が世界を見る方法と描く方法に革命をもたらした芸術運動です。19 世紀後半にフランスで生まれた印象派は、つかの間の瞬間、特に日常のシーンにおける光と色彩の効果を捉えることに重点を置いていました。細部に重点を置いた従来の芸術とは異なり、印象派の芸術家は細部まで細かく描くのではなく、自由な筆使いでシーンの本質を表現しました。

この運動の最も特徴的な特徴の 1 つは、変化する自然光を捉えるために屋外で絵を描く外光絵画でした。 印象派の一般的な主題には、風景や日常生活の場面などがあり、その瞬間の移ろいを強調する方法で描かれることが多かったです。

「 印象派」という用語は、芸術家自身が作ったものではありません。実際、1874年にパリで行われた展覧会の後に侮辱として最初に使われました。この名前は、クロード・モネの絵画「印象、日の出」に由来しており、新聞「ル・シャリヴァリ」で批評家のルイ・ルロワが風刺的な批評を書いたきっかけとなりました。ルロワは「壁紙のパターンの下絵の方がこの海の景色より完成度が高い」とこの絵画を嘲笑しました。嘲笑にもかかわらず、この用語は定着し、この運動の芸術に対する革新的なアプローチの象徴となりました。


Claude Monet, Impression Sunrise, 1872.

印象派はフランスの既存の芸術界から強い反対を受けましたが、芸術家たちは粘り強く取り組みました。伝統的な組織から拒絶されたモネ、ルノワール、ピサロ、ドガなどの先駆的な芸術家たちは、自らの手で問題を解決しました。彼らは独立した展覧会を企画し、既存の規範に逆らい、新しい芸術形態の舞台を整えました。この大胆な反抗は芸術界を一変させただけでなく、より広範な文化的変化を引き起こし、印象派の音楽や印象派の文学にも影響を与えました。

2. ポスト印象派：モダンアートにおける光から感情へ

印象派は光と一瞬の瞬間に焦点を当てることで芸術に革命をもたらしましたが、観察を重視する印象派のやり方に満足した芸術家は皆無でした。この不満から、 印象派が築いた基盤の上にさらに発展させながら、芸術を新しい方向に押し進めようとする運動、ポスト印象派が生まれました。

ポスト印象派は、 印象派への反応として 1880 年代後半に出現しました。若い芸術家のグループは、単に見たものを捉えるという制約からの脱却を目指しました。彼らは、現実を描写するだけでなく、感情を表現することに焦点を当てました。これらの芸術家は、 印象派の光と色彩の重視を超えて、簡素化された色彩、大胆な形、想像力豊かな構成を使用して、個人的かつ感情的なテーマを伝えました。この運動は、象徴性、構造、さらには初期の抽象表現にまで新たな焦点を当てた点が特徴でした。

ポスト印象派の最も象徴的な例の 1 つが、フィンセント ファン ゴッホの「星月夜」です。渦巻く空と鮮やかな青と黄色を特徴とするこの絵画は、 印象派の観察スタイルをはるかに超えています。ゴッホは夜空を使って激しい感情を伝え、現実的でありながら夢のようなシーンを創り出しました。彼の太い筆使いと大胆な色の選択は、単にシーンを描写しただけでなく、絵の具自体の生々しい感情的な力を伝えました。


Vincent van Gogh, The Starry Night, 1889.


自発性と光の効果を重視した印象派とは異なり、ポスト印象派は芸術にさらなる構造とより深い意味をもたらそうとしました。「 モダンアートの父」と呼ばれることが多いポール・セザンヌは、この変化の代表的な例です。幾何学的形状と単純化された形態を革新的に使用した彼の手法は、キュビズムや抽象芸術などの後の運動の基礎を築きました。

ポスト印象派は、統一された単一のスタイルではなく、芸術の可能性の限界を押し広げようと決意した芸術家たちによる多様なアプローチの集合体でした。この個性と実験により、ポスト印象派は、 モダンアートの進化における魅力的で極めて重要な章となっています。

3. フォーヴィスム：色彩と感情を再定義したモダンアート

芸術的実験精神を基盤として、次に出現した主要なモダンアート運動はフォーヴィスムでした。大胆な色使いと表現力豊かな筆遣いで知られるフォーヴィスムは、1905 年頃に始まり、1910 年頃まで続いた、短命ながらも非常に影響力のある運動でした。フランス語で「野獣」を意味する「フォーヴィスム」という用語は、芸術家の作品の活気に満ちた野性的な性質を表現するために批評家によって作られた揶揄的な言葉です。

フォーヴィスムの芸術は、鮮やかな色彩、質感のある筆遣い、非自然主義的な描写が特徴です。フォーヴィスムの芸術家は、色彩を世界をリアルに表現するために使うのではなく、感情やエネルギーを呼び起こすツールとして使いました。これらの芸術家にとって、色彩は現実を描写する手段であるだけでなく、現実を変える手段でもありました。人物は明るい緑色、風景は燃えるような赤色、空は濃い紫色で表現され、すべて芸術家の内面の感情や気分を伝えるために選ばれました。この大胆な色彩の使用は、フォーヴィスム運動のリーダーとして広く知られるアンリ・マティスの作品に最もよく表れています。


Henri Matisse, Still Life with Vegetables, 1905.

フォーヴィスムの画家たちは、 印象派と伝統的な芸術的慣習の両方の制約から解放された最初の画家たちのうちの1人でした。20世紀最初期の前衛的モダニズム運動の1つとして、フォーヴィスムは芸術を新たな可能性へと押し進める上で重要な役割を果たしました。写実的な表現よりも感情的な表現を重視したことは、表現主義や抽象芸術などの将来の運動の基礎を築くのに役立ちました。フォーヴィスムは、芸術が単なる写実的な描写よりも創造性、個人的なビジョン、感情の深さを優先できることを示しました。

4. 表現主義：内面の感情と葛藤の芸術

フォーヴィスムの大胆な感情と鮮やかな色彩を引き継いで、表現主義がモダンアートの次の大きな動きとして登場しました。主観的な感情、内面的な経験、精神的なテーマを表現することに焦点を当てた表現主義は、世界の現実的な描写を拒否し、代わりに人間の状態の内なる混乱を探求することを選びました。

表現主義は、20 世紀初頭、大きな変化と不確実性の時代に生まれました。急速な工業化、都市化の進行、そして最終的に第一次世界大戦へとつながった社会的緊張の高まりにより、疎外感と不安の雰囲気が生まれました。それに応じて、表現主義の芸術家たちは内向きになり、その芸術を使って当時の生々しく、しばしば不安な感情を表現しました。


Egon Schiele, Cardinal and Nun, 1912.

フォーヴィスムの大胆な色使いを基に、表現主義は歪んだ形、誇張された線、型破りな色彩でこれを次のレベルに引き上げました。これらの技法により、芸術家は危機に瀕した世界の感情的な葛藤、不安、混乱を捉えることができました。表現主義の絵画は、エネルギッシュな筆遣いと厚い絵の具の層が特徴であることが多く、感情の激しさを高めています。

風景画や肖像画など、表現主義の一般的な主題は、アーティストの内面の感情をドラマチックに、個人的に反映したものへと変化しました。これらの作品は、当時の混沌、不確実性、感情の不安定さを反映し、アーティストと鑑賞者の間に深く個人的で感情的なつながりを生み出しました。

5. キュビズム：モダンアートにおける空間と形態の再定義

表現主義の感情的な激しさに続いて、20 世紀初頭に画期的な運動としてキュービズムが登場し、芸術界を根本的に再形成しました。1907 年頃にパブロ ピカソとジョルジュ ブラックによって開発されたキュービズムは、伝統的なヨーロッパの空間と形態の慣習を打ち破り、現実の見方と描写の革新的な方法を導入しました。


Juan Gris, Guitar and Fruit Dish, 1919.

個人的な感情や心の混乱を強調した表現主義とは異なり、キュビズムは現実の構造と複雑さに焦点を当てました。キュビズムの芸術家は、単一の視点という概念に挑戦し、複数の視点を同時に提示しようとしました。彼らは写実的な描写の代わりに、断片的な形、幾何学的な形、対照的な角度を使用して抽象的な構成を作成しました。この革新的なスタイルは、科学、テクノロジー、そして現代世界を認識する新しい方法への関心の高まりを反映していました。

伝統的な視点からの急激な転換は、単なる芸術的実験にとどまらず、より広範な文化的変革を反映したものでもありました。キュビズムは、確立された規範に疑問を投げかけ、現実の新たな側面を探求し、 モダンアートにおける抽象化への重要な一歩を踏み出しました。この運動の影響は絵画にとどまらず、彫刻、デザイン、さらには文学の発展にも影響を与えました。

6. 未来派：現代生活のスピードを捉えた芸術

キュビズムが断片的な視点を探求したのに対し、未来派はこの概念を新たなレベルに引き上げ、現代世界のスピード、エネルギー、活力に焦点を当てました。

1909 年頃にイタリアで生まれた未来派は、20 世紀初頭の急速な技術進歩と産業成長に深く影響を受けました。この運動は、過去を否定し、大胆な未来ビジョンを主張したイタリアの詩人フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティによって創始されました。未来派の芸術家たちは、産業の進歩の力と混沌を称賛しながら、現代生活のダイナミックな本質を捉えようとしました。


Giacomo Balla, Abstract Speed and Sound, 1913 - 1914.

未来派アートの特徴は、ダイナミックな構成、鮮やかな色彩、反復する形状で、動きと興奮を呼び起こすようにデザインされています。共通の主題には、車、電車、賑やかな都市景観などがあり、現代のペースの速い混沌としたエネルギーへの関心を反映しています。未来派のアーティストは、革新的なアプローチを通じて、 モダンアートにおける動きと現代性の表現方法を再定義しました。

7. ダダイズム：モダンアートにおける混沌と不条理

第一次世界大戦の混乱と破壊が進む中、未来派が称賛した楽観主義とエネルギーとはまったく対照的な新しい運動が生まれました。 ダダイズムとして知られるこの前衛的な運動は、伝統的な芸術の概念を拒絶し、時代の不条理に立ち向かいました。

ダダイズムは第一次世界大戦中に誕生しました。その原動力となったのは、多くの人が戦争を引き起こしたと信じていた論理、理性、国家主義に対する深い幻滅感でした。キュビズムや未来派の構造化された技法とはまったく対照的に、 ダダイズムは混沌、非合理性、自発性をその指導原理として受け入れました。


Marcel Duchamp, Fountain, 1917.

ダダの芸術家たちは、コラージュ、 フォトモンタージュ、アサンブラージュなどの革新的な技法を用いて、無関係な要素を意外な、しばしば挑発的な方法で組み合わせました。これらの作品は、社会規範に疑問を投げかけ、伝統的な価値観に挑戦し、芸術の可能性を再定義することを目的としていました。この運動は、風刺や不条理を用いて文化、政治、芸術そのものを批判し、芸術家の左翼的な政治的見解を反映していることが多かったです。

ダダイズムは単なるスタイルではありませんでした。創造性の限界を押し広げた文化的反逆であり、 シュルレアリスムのような後の前衛的な運動の土台を築きました。その遺産は、慣習に対する過激な挑戦と、芸術家が想像するものは何でも芸術になり得るという大胆な主張にあります。

8. シュルレアリスム：夢と無意識の心に関する芸術

1920 年代に出現したシュルレアリスムは、混沌とした反芸術精神を持つダダイズムから生まれましたが、より内省的なアプローチをとっています。 ダダイズムが不条理を称揚し、理性を拒絶したのに対し、 シュルレアリスムは夢や無意識を探求することで人間の精神の奥底を解き明かすことを目指しました。

シュルレアリスムは、人生に対する従来の見方と、奇妙で​​夢のような魅力とのバランスをとっています。非論理的な場面や奇妙な対比で知られるこの運動は、精神分析学やジークムント・フロイトの著作に大きく影響を受けています。シュルレアリスムの芸術家たちは、意識と無意識の間のギャップを埋めようとし、非合理性を探求して、人間の本質に関する隠された真実を明らかにしようとしました。


Leonora Carrington, Green Tea, 1942.

これを達成するために、シュルレアリストたちは、自動描画、夢のイメージ、意外な物体の組み合わせなどの革新的な技法を採用しました。これらの手法は、論理的な説明を拒む不安をかき立てるビジュアルを生み出し、現実と空想が混ざり合う世界へと鑑賞者を誘います。サルバドール・ダリの『記憶の固執』などのシュルレアリストの作品は、現実に対する伝統的な認識に挑戦するというこの運動の目標を体現しています。

シュルレアリスムは単なる芸術スタイルではなく、人間の意識と心の謎を深く探求したものでした。その影響は芸術の域を超え、文学、映画、哲学にも及び、現代文化に永続的な影響を与えました。