モダンアートといえば、キュビズム、 シュルレアリスム、抽象表現主義といった運動を思い浮かべることが多いでしょう。しかし、それほど注目されなかった芸術運動はどうでしょうか？この記事では、近代において最も見過ごされてきた芸術運動をいくつか探っていきます。これらの運動は創造的な表現の形成に貢献したにもかかわらず、今日ではほとんど語られることがありません。
1. オルフィズム：キュビスムの色彩豊かな派生
まずはオルフィスムから始めましょう。オルフィスムは、キュビズムの思想から生まれ、抽象化をまったく新しいレベルに引き上げた、活気に満ちた色彩豊かな運動です。
オルフィズムは1912年頃、ロベール・ドローネーやソニア・ドローネーといった芸術家によってフランスで始まりました。キュビスムから派生したオルフィズムですが、キュビスムが物体を幾何学的形態と多角的な視点に分解することに重点を置いていたのに対し、オルフィズムは色彩、光、そして視覚的なリズムを主要な表現要素として重視しました。
Robert Delaunay, Endless Rhythm, 1934.
「オルフィスム」という名称は、古代ギリシャの伝説的な詩人であり音楽家であったオルフェウスに由来しています。この用語はフランスの詩人ギヨーム・アポリネールによって造られました。彼は絵画には音楽的な性質が備わっているべきだと考えていました。音楽に似た視覚的な調和を生み出すというこの考えは、抽象芸術の発展に重要な影響を与えました。
オルフィズムの特徴は、純粋な色彩関係へのこだわりです。アーティストたちは、音楽の流動性とエネルギーにインスピレーションを得て、リズミカルで調和のとれた作品を生み出すことを目指しました。動きと力強いエネルギーを想起させる円形や絡み合う模様が数多く見られます。
大胆なビジョンにもかかわらず、オルペウス主義はキュビスムほどの評価を得ることはありませんでした。その短い存続期間と第一次世界大戦の勃発によって衰退し、最終的には他の抽象運動の影に隠れてしまいました。それでもなお、オルペウス主義は純粋抽象の発展に重要な役割を果たし、色彩が独自の視覚言語となり得ることを示しました。
2. ヴォーティシズム：反抗的なイギリスの芸術運動
オルペウス主義が戦争の勃発とともに衰退する一方で、イギリスでは新たな運動が台頭しつつありました。1914年にロンドンで結成されたヴォーティシズムは、現代世界のエネルギーと激しさを捉えることを目指しました。
機械時代の力と混沌を表現しようとした芸術家であり作家でもあるウィンダム・ルイスによって創設されました。名称は、動きとエネルギーの中心にある渦巻く力、つまり渦巻く力の概念に由来しています。
ヴォーティシズムはキュビズムと未来派の両方の影響を受け、断片的な形態と大胆で機械的なエネルギーを融合させました。ヴォーティシズムの芸術家たちは、都市や産業を題材に、硬質で角張った作風を特徴としていました。しかし、スピードとテクノロジーを熱狂的に称賛したイタリア未来派とは異なり、ヴォーティシズムの芸術家たちはより批判的で客観的なアプローチをとりました。ルイスは未来派の感情的なトーンを拒絶し、代わりに生々しく攻撃的な視覚言語を推進しました。
この運動には「BLAST」という独自の雑誌がありました。鮮やかなピンクの表紙と大胆なタイポグラフィは、ヴォーティシズムの反骨精神を反映していました。誌面には、田園風景画や古典的なヌードといった伝統的な英国美術を拒絶しながらも、現代生活を称揚するマニフェストや作品が掲載されていました。
ヴォーティシズムは野心的な活動であったにもかかわらず、長くは続かなかった。第一次世界大戦の勃発により、ヴォーティシズムの支持者たちは散り散りになり、運動は突然終焉を迎えた。
それでも、この作品はイギリス美術における大胆かつ勇敢な瞬間を象徴し、その工業的な美的感覚と幾何学的な明快さを通して、近代デザインと建築の基礎を築きました。
3. シュプレマティズム：抽象表現を再定義したロシアの運動
ロシアでは、ほぼ同時期に、異なるながらも同様に急進的な運動が形成されつつありました。それはシュプレマティズムと呼ばれ、幾何学的抽象をさらに推し進め、純粋な感情を追求するためにあらゆる具象的要素を剥ぎ取りました。
1914年頃、芸術家カジミール・マレーヴィチによって創始されたシュプレマティズムは、芸術を最も基本的な要素にまで還元することを目指しました。正方形、円、長方形といった純粋な幾何学的形状に焦点を当て、簡素さと明瞭さを強調するために、しばしば限られた色彩で描かれました。
Kazimir Malevich, Black Square and Red Square, 1915.
マレーヴィチは、芸術は物質世界を描写するべきではないと信じていました。むしろ、感情と精神的な経験を表現すべきだと考えていました。彼にとって、感情の優位性は、物、人物、風景を描写することよりも重要でした。この急進的な考えは、伝統的な芸術的価値観からの大きな転換を示し、完全に非具象的な芸術への扉を開くきっかけとなりました。
しかし、シュプレマティズムは単純な形を描くことだけにとどまりませんでした。物質世界との関わりを一切持たず、形と色彩を通して直接的にコミュニケーションを図る、全く新しい芸術の創造を目指したのです。この革新的なアプローチは、後の抽象芸術運動に永続的な影響を与え、 ミニマリスト芸術の発展にも影響を与えました。
しかし、20世紀初頭の多くの急進的な芸術運動と同様に、シュプレマティズムの活動は短命に終わりました。ロシア革命後、この運動は背景に追いやられました。それでもなお、シュプレマティズムは美術史の転換点となり、芸術は深い意味と感情的な力を伝えるために現実を描写する必要はないことを証明しました。
4. 構成主義：芸術を通して新しい世界を構築する
シュプレマティズムが衰退するにつれ、新たな運動が台頭しました。それは当時の革命的なエネルギーを受け入れ、芸術を実用化することを目指した運動でした。それが構成主義です。シュプレマティズムが精神的な抽象化に焦点を当てたのに対し、構成主義は機能性、デザイン、そして集団的な目的に根ざしていました。
構成主義は1915年頃にロシアで始まり、ウラジーミル・タトリンやアレクサンドル・ロトチェンコといった芸術家によって主導されました。彼らは、芸術は単なる装飾のためではなく、社会的な機能を果たすべきだと信じていました。彼らの目標は、伝統的な絵画の枠を超え、日常生活を向上させるような物や構造物の創造に焦点を当てることでした。
ピカソのキュビズム的構成に影響を受け、ウラジミール・タトリンは金属やガラスといった工業素材を用いた抽象彫刻を制作し始めました。これらの作品は機械に支配された近代社会を反映し、芸術を三次元空間へと導きました。
アレクサンダー・ロトチェンコは、構成主義の思想をグラフィックデザインと写真に取り入れました。彼のポスターや本の表紙は、大胆なタイポグラフィ、幾何学的な形状、そしてダイナミックなレイアウトを用いて、産業の発展と現代生活のエネルギーを表現しました。
構成主義は建築、織物、演劇、そしてファッションにも波及しました。その根底には、芸術は日常生活に溶け込むべきであり、ただ鑑賞するだけでなく、実際に利用するためにデザインされるべきだという信念がありました。
時が経つにつれ、ソビエト政府が芸術への統制を強めたため、この運動は衰退していきました。しかし、構成主義は力強い遺産を残しました。 バウハウスのような近代デザイン運動に影響を与え、20世紀以降も建築、グラフィックデザイン、そして視覚文化に永続的な影響を与えました。
5. オプ・アート：キャンバス上の錯視
数十年後、全く異なる文脈の中で、芸術家たちは再び幾何学と視覚構造の探求を始めました。今度は、錯覚と知覚に焦点を当て、この運動はオプ・アートとして知られるようになりました。
オプ・アート（Optical Art）は、1960年代に絵画における大きな発展として登場しました。幾何学的な形状を用いて、私たちの視覚を操る視覚効果を生み出しました。現実や感情を描写するのではなく、オプ・アートは視覚を錯覚させることに重点を置き、平面に動いたり、振動したり、奥行きを作ったりする模様を用いていました。こうした効果は、微妙な変化から、方向感覚を失わせる、あるいは目まいさえ起こすような感覚まで、多岐にわたりました。
この運動は、芸術家や鑑賞者が視覚情報が脳でどのように処理されるかに魅了されたことで、戦後の知覚、科学、心理学に対する幅広い関心を反映したものでした。
Bridget Riley, Untitled (Circular motion), 1962.
代表的な画家の一人は、オプ・アートの祖と呼ばれるヴィクトル・ヴァザルリです。彼は精密に配置されたパターンによって、動きと空間の強烈な錯覚を生み出し、芸術を誰もが楽しめるものにすることを信条としていました。
もう一人の著名な芸術家はブリジット・ライリーで、「ムーブメント・イン・スクエア」や「フォール」といった印象的な白黒作品で知られています。彼女の作品は、静的な形態から力強い動きを喚起し、このスタイルのアイコンとなりました。
オプ・アートは、反復する形状、大胆なコントラスト、そして数学的な精密さを特徴としています。物語を伝えたり、物理的な世界を表現したりするのではなく、純粋な視覚的知覚を通して鑑賞者を惹きつけます。
この運動は、美術館での「レスポンシブ・アイ」展の後、国際的な注目を集めました。 1965年の現代美術展。この展覧会はオプ・アートを幅広い観客に紹介し、文化現象へと発展させました。
オプ・アートの人気は1960年代にピークを迎えましたが、デザイン、ファッション、広告に永続的な影響を与えました。その影響は、今日でもデジタルアートや視覚効果に影響を与え続けています。
6. キネティックアート：アートが動くことを学んだとき
オプ・アートは動きの錯覚を生み出しましたが、一部のアーティストは作品に実際の動きを取り入れることで、それをさらに一歩進めました。これがキネティック・アート、つまり動きそのものが作品の中心となるムーブメントへとつながりました。
「キネティック」という言葉は、動きを意味します。20世紀初頭から、芸術家たちは動きを用いて、時間、テクノロジー、知覚といった概念を探求してきました。キネティックアートでは、動きは機械的に生み出されるもの、自然の力によって動かされるもの、あるいは鑑賞者によって誘発されるものなど、多岐にわたります。
Naum Gabo, Artwork Caption Kinetic Construction (Standing Wave), 1919-1920.
初期の実験はマルセル・デュシャンのようなアーティストによって行われましたが、キネティック・アートを真に脚光を浴びさせたのはアレクサンダー・カルダーでした。彼の象徴的なモビールは、空気とともに変化する繊細でバランスの取れた構造で、彫刻をダイナミックで常に変化するものへと変貌させます。優しくも予測不能な動きをすることで、形と影のパターンが絶えず変化し続けます。
キネティック・アートが革命的だったのは、芸術は固定され触れることのできないものであるという概念に挑戦した点です。それは鑑賞者の参加を促し、作品の周りを動き回ったり、時には作品を動かしたりと、鑑賞者と関わることを促しました。そうすることで、芸術と科学、そして物体と体験の境界を曖昧にしました。
動き、進化するアートという概念は、今日もクリエイターたちにインスピレーションを与え続けています。キネティックアートは、アートは静止している必要はなく、私たちを取り巻く世界のように、生き生きとして、ダイナミックで、インタラクティブで、常に変化し続けるものであるべきだということを私たちに思い出させてくれます。
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