美術史が見落とした6人の女性芸術家

前回の記事「美術史を塗り替えた6人の女性アーティスト」では、多くの女性が美術の進路を強力かつ永続的に形作ってきたにもかかわらず、美術史の注目はしばしば男性に向けられてきたことを述べました。

本日の記事では、美術史を独自の視点で定義づけた6人の女性アーティストを取り上げます。印象派のサロンからコンセプチュアルなインスタレーションまで、彼女たちの名前はどの教科書にも載っていないかもしれませんが、彼女たちの影響力は紛れもなく大きなものです。見過ごされてきたこれらの女性アーティストは、記憶にとどめられ、研究され、称賛されるに値します。

ベルト・モリゾ： 印象派の女性の眼

まずは1841年パリ生まれのベルト・モリゾから。彼女は歴史上最も影響力のある芸術運動の一つの形成に貢献したにもかかわらず、その名前を耳にする機会は少ない画家でした。

モリゾは印象派運動の創始メンバーの一人であり、初期グループの中で唯一の女性でした。1874年、一部の芸術家が公式サロンから離脱し、独自の展覧会を開催した際、モリゾもその一人となりました。モリゾは印象派展8回のうち7回に出展し、これはモネ自身よりも多くの出展数でした。

しかし、モリゾの世界は違っていた。同世代の多くの男性画家が賑やかな街路や広大な風景画を描く中、彼女は内省に目を向け、静かな室内、家族生活、そして親密な日常のひとときを描いていた。それは彼女に想像力が欠けていたからではなく、当時、公の世界が女性にとって閉ざされていることが多かったからだった。

こうした境界線は彼女の芸術を制限するものではなく、むしろ形作った。筆遣いは繊細でありながら自信に満ちていた。色彩は光を帯びて輝いていた。彼女の絵画には柔らかさがありながら、決して受動的なところはない。ただ、存在と時間に対する深く思慮深い理解があるだけだ。

生前、批評家たちは彼女の作品をしばしば「女性的」あるいは「親密」と評しましたが、当時はこれらの言葉は称賛というよりむしろ貶めるために使われていました。今日、私たちはそれらを違った意味で理解しています。

モリゾは自らが生きた世界に抵抗することなく、それを変容させた。家庭生活を詩的で意義深いものへと変えたのだ。例えば、彼女の絵画「ゆりかご」は、眠る幼児を見守る女性を描いている。それは静かな瞬間でありながら、優しさ、雰囲気、そして穏やかな時間への意識に満ちている。

彼女の手によって、日常は光り輝きました。存在感、繊細さ、そして繊細な光の戯れを通して、モリゾは人生の最も静かな瞬間に宿る美しさを描き出しました。

ゾフィー・トイバー＝アルプ：幾何学をダンスにした女性

ゾフィー・トイバー＝アルプは 1889 年にスイスで生まれ、20 世紀で最も多才で先見性のある芸術家の一人です。

カンディンスキーは抽象画で名声を得るずっと以前から、手作業で幾何学模様を刺繍していました。1918年には、ロボットと玩具を融合させた、驚くほど現代的な人形をデザインしました。彼女は、私たちが日々使う物の中にこそ美が宿るべきだと信じていました。

画家、ダンサー、彫刻家、テキスタイルデザイナー、そして教師として、彼女の創造性は様々な分野を自由に行き来しました。他の人々が限界と見なすところに、彼女は可能性を見出しました。彼女はただ一つの目標を追い求めました。それは、明快さと精密さをもって美しいものを作ることでした。

多くのアーティストがひとつの媒体を選ぶ中、彼女はすべてを取り入れました。

彼女は刺繍や絵画を制作し、彫刻を彫り、雑誌を編集し、人形を創作し、謎めいたダダのオブジェクトを構築しました。

トイバー＝アルプは、幾何学的抽象がヨーロッパで広く受け入れられるずっと以前の1915年という早い時期から、その探求を始めました。彼女は伝統工芸とモダニズム的抽象を融合させ、芸術とデザインの境界に挑戦しました。彼女の作品には、装飾としてではなく、生きた形態として、円、正方形、リズミカルな線が多く用いられました。これらの表現は、テキスタイル、マリオネット、インテリア、そして日用品にまで現れました。

彼女の手によって、抽象表現は遊び心があり、精密で、深く人間的なものとなった。

チューリッヒのダダ運動が混沌と不条理を肯定する一方で、トイバー＝アルプはそれとは異なる、構造、明晰さ、そして静けさをもたらした。彼女はダダの中心にいた数少ない女性の一人であり、彼女の存在は論理と想像力を融合させた新たなエネルギーを生み出した。

キャリアの後半では、夫のジャン・アルプと共に活動し、近代抽象表現の言語形成に貢献しました。アルプの名前に隠れることが多かったにもかかわらず、彼女は独自の独立した表現を貫きました。

今日、彼女は優れた芸術家としてだけでなく、モダンデザインの先駆者としても認められています。彼女は単に形を創造するだけでなく、そこに命を吹き込みました。幾何学に人間らしさを感じさせる人物でした。

彼女は1943年に53歳で突然亡くなったが、彼女の影響力は拡大し続けている。

かつて芸術と日常生活が切り離されていた世界で、ソフィー・タウバー＝アルプは、ひとつの円、ひとつの縫い目、一歩ずつ、芸術と日常生活を再び結びつけました。

リー・クラスナー：自らの力で先駆者となる

抽象表現主義といえば、ジャクソン・ポロックの名前は聞いたことがあるでしょう。では、リー・クラスナーはどうでしょうか？

クラスナーは1908年にニューヨークのブルックリンに生まれ、アメリカ抽象表現主義において最も力強く、独創的な表現者の一人となりました。しかし、彼女は生涯を通じて、自身の作品ではなく、ジャクソン・ポロックの妻として知られていました。

見落とされがちなのは、クラズナーが彼に出会う前から既に名声を博していたという事実です。彼女はクーパー・ユニオン大学、国立デザインアカデミーで学び、後にドイツ生まれの著名な抽象画家ハンス・ホフマンに師事しました。

彼女の基礎は強固で、古典的なデッサン、キュビズムの構造、そしてモダニズムの実験性を理解していました。しかし、彼女は決して同じことを繰り返すことに満足しませんでした。キャリアを通して、彼女は常に限界に挑戦し続けました。

1950年代、彼女は力強いコラージュ作品の制作を始めました。彼女は以前のドローイングや絵画を切り離し、それらを再構成することで、生々しく印象的な構図を作り上げました。それは再発明の行為であり、特定のアイデンティティや作品の段階にとらわれることを拒否した行為でした。

1956年にポロックが自動車事故で亡くなった後、クラズナーはイーストハンプトンにある彼の納屋のスタジオに移り、そこでより大規模な作品制作を始めました。

この時期の重要な作品の一つ、後に「アース・グリーン」シリーズとして知られる作品群の一部は、黒の筆致で描かれた広がりのある線に、ピンク、柔らかなオフホワイト、そして深緑の帯が重なり合っています。その形は女性の身体と植物の生命を想起させ、成長、変容、そして悲しみのサイクルと結びついた有機的な形をしています。

喪失は彼女の創造性を沈黙させたのではなく、むしろ深めたのです。

クラスナーはかつてこう言った。「私は女性であり、ユダヤ人であり、未亡人であり、そしてとびきり優れた画家だった。そのすべてを証明しなければならなかった」

今日、私たちは彼女を、誰かの影に隠れた芸術家ではなく、戦後アメリカ美術における重要な人物として見ています。彼女は実験精神を貫き、技法、アプローチ、そしてスケールを絶えず変化させ続けました。彼女の粘り強さは、何世代にもわたる女性芸術家に勇気と可能性の道を残しました。

レオノーラ・キャリントン：ミューズになることを拒否したシュルレアリスト 

レオノーラ・キャリントンは1917年、イギリスの裕福ながらも堅苦しい家庭に生まれました。家庭では淑女としてふさわしいと期待されていましたが、彼女は服従よりも奔放さ、形式よりも自由を選んだのです。

20代前半には、ドイツのシュルレアリスト、マックス・エルンストと駆け落ちし、ヨーロッパの前衛芸術の中心に足を踏み入れました。しかし、 シュルレアリスムの女性観は複雑でした。

多くの男性芸術家は、女性の精神を神秘的で直感的な、ロマンチックなものでありながらほとんど尊重されないものとして描くフロイト的な思想を信奉していました。女性は創造者ではなく、ミューズとして見られることが多かったのです。

キャリントンはその役割を断った。かつて彼女が言ったように、「誰かのミューズになる時間なんてありませんでした。両親に反抗し、アーティストになるための勉強に忙しすぎたのです。」

彼女の絵画は際立っていた。奇妙な生き物、幽霊のような人物、そして魔術的な儀式に携わる女性たちが描かれていた。キャリントンは、変容と聖性に根ざした象徴的な世界を構築した。それは特定の宗教に縛られることなく、心の静かな片隅に息づいている。

第二次世界大戦の勃発と個人的な激動の時期を経て、キャリントンはメキシコシティへ逃れ、そこで生涯を終えました。そこで彼女は創造の自由とコミュニティを見つけました。レメディオス・バロやカティ・オルナと共に、独自の道を切り開いた稀有な女性シュルレアリストの輪の形成に貢献しました。

彼女の作品はより重層的で象徴的なものへと変化していった。彼女はハイブリッドな身体、魅惑的な空間、そして女性を力と神秘の象徴として描いた。彼女は目に見えない力を信じ、彼女のキャンバスは存在感に満ちてきらめいていた。

1943年のデッサン「キッチン・クロック」では、キッチンを単なる家庭空間としてではなく、女性たちが日々の錬金術を行う変容の場として描き出しました。この小さく親密な作品は、パリの枠を超え、男性中心の物語を超えたシュルレアリスムを反映しています。

今日、キャリントンはシュルレアリストとしてだけでなく、潜在意識を独自の言葉で再定義した先見者としても記憶されています。彼女は決して自分のビジョンを説明することはなく、ただ私たちを招き入れたのです。

塩田千春：記憶を空間に紡ぐ

記憶、不安、夢、沈黙といった無形の経験を形にする力強いパフォーマンスやインスタレーションで知られる日本人アーティスト、塩田千春に目を向けてみましょう。

1972年大阪生まれの塩田は、もともと画家として修行を積んでいました。しかし、キャリアの初期には、絵の具だけでは物足りないと感じていました。彼女は作品が空間を占め、人々を包み込み、目だけでなく身体にも宿ることを願っていました。

彼女は没入型の糸を使ったインスタレーションで最もよく知られています。黒、赤、あるいは白の糸が、絡み合ったクモの巣のように部屋中に広がり、鍵、スーツケース、靴、病院のベッドといった日用品に巻き付きます。その効果は、記憶そのものが形を取り、部屋を満たしているかのような、深く個人的な印象を残します。

東アジアの文化では、赤い糸はしばしば運命や人間関係の象徴とされます。塩田は赤い糸を用いて、不在、憧れ、そして人々の間の目に見えない絆を探求しています。彼女のインスタレーションは記憶を描写するものではなく、私たちが記憶の中を歩むことを可能にするのです。

彼女の作品の多くは、個人的な経験によって形作られています。ドイツで学生時代を過ごした彼女は、アイデンティティと故郷から遠く離れた感覚に苦しみました。その後、深刻な病気をきっかけに、生と死、そして死後に何が残るのかを考えるようになりました。

彼女のインスタレーションは夢と記憶の境界を曖昧にする。その静寂は内省を促し、そのスケールは畏敬の念を抱かせる。

中国の哲学者、荘子の物語を思い起こさせる。ある男が蝶になった夢を見て、今度は自分が人間になった夢を見ている蝶なのだろうかと自問する。この同じ不安が、彼女の2018年の作品『胡蝶夢』にも現れている。

塩田さんの作業は肉体的なものだ。彼女とチームは、何千本もの糸を何日も何週間もかけて手作業で編み上げる。そこには労働と静寂があり、儀式に近い何かがある。

彼女はかつてこう言いました。「記憶は、触れることも見ることもできないけれど、とても強いものです。」

彼女の作品は、記憶のように静かでありながら、長く残ります。それは私たちを立ち止まらせ、息を吸い込み、言葉では言い表せないものを感じ取らせてくれます。

オノ・ヨーコ： コンセプチュアル・アートと参加型アートの先駆者

最後に、半世紀以上にわたり芸術の定義に挑戦し続けてきた日本の芸術家、ミュージシャン、活動家であるオノ・ヨーコ氏についてお話しします。

1933年東京生まれのオノは、1950年代にアメリカに移住し、ニューヨークの前衛芸術シーンの中心人物となった。彼女は、伝統的な芸術対象を拒絶し、思想、行動、そして経験を重視するフルクサス運動に深く関わった数少ない女性の一人であった。

オノの初期の作品は、芸術と生活の境界線を曖昧にしていました。初期の作品の多くは、口頭または書面で伝えられた指示に基づいていました。「踏みつけられる絵画」では、床にキャンバスを置き、人々に物理的に、あるいは心の中でその上を歩くように促しました。これは、芸術と日常の境界線を取り払う、静かながらもラディカルな行為でした。

彼女の作品は、単なる物作りではありません。人々に想像を促し、参加を促し、作品そのものの一部となることを目指しています。「Cut Piece」では、観客が彼女の服を切り裂く間、彼女は静かに舞台に座っていました。この行為はシンプルでありながら、深く挑発的でした。それは、脆弱性、力、そして女性の身体の捉え方について、切実な問いを提起しました。

オノはキャリアを通して、シンプルな素材を用いて、平和、悲しみ、フェミニズム、親密さ、そして繋がりといった複雑な概念を探求してきました。1990年代に始めたシリーズ「ウィッシュツリー」では、来場者が紙に願い事を書いて木の枝に結びつけます。それぞれの願い事が、共有する希望のフィールドの一部となって広がっていきます。

彼女はジョン・レノンとの関係で記憶されることが多いが、オノの芸術的遺産はそれ自体で完全に独立している。その関係のずっと前から、そしてずっと後まで、彼女は体制に疑問を投げかけ、境界を打ち破り、感情的な空間を広げる作品を制作してきた。

彼女の創作活動は、ジョン・ケージやナム・ジュン・パイクといったアーティストたちと共に発展してきました。彼らは、芸術はギャラリーに収蔵される必要はなく、見知らぬ人々の間で交換されるアイデア、音、思考でもあり得ると信じていました。

彼女の作品はコンセプチュアルでありながら、決して冷淡ではありません。それは、見る者に内面を見つめさせ、耳を傾けさせ、別の在り方を想像させるのです。

オノ・ヨーコはかつてこう言った。 「一人で見る夢は夢かもしれないが、二人で見る夢は現実になる。」 ”

彼女の作品は、私たちをその夢を共有するよう、そして単なる鑑賞者ではなく、私たち自身よりも大きな何かの参加者となるよう誘います。

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