Lorsque vous regardez l’art abstrait, à quoi pensez-vous ? Cela change-t-il votre perception de l’art ? Certaines personnes peuvent ne pas l’apprécier parce qu’elles trouvent qu’il est difficile à comprendre. Pourtant, ce type d’art fait partie intégrante de l’histoire de l’art. Bien que nous rencontrions souvent de l’art abstrait, nous avons encore du mal à expliquer ce qu’est l’art abstrait. Dans cet article, nous allons tenter de vous aider à mieux le comprendre.
Qu'est-ce que l'art abstrait ?
L'art abstrait est un style unique qui se distingue par le fait qu'il ne cherche pas à reproduire le monde réel au sens littéral du terme. Au lieu de cela, il exploite le pouvoir des formes, des couleurs, des formes et des gestes expressifs pour créer une expérience visuelle qui transcende les limites des objets ou des sujets reconnaissables.
Le terme « abstrait » signifie essentiellement séparer ou détacher quelque chose de son contexte d’origine. Cette approche artistique peut se manifester de multiples façons. D’un côté, cela signifie que vous commencez avec des choses comme des objets du quotidien, des personnes ou des scènes du monde, puis vous les simplifiez ou les transformez en formes et en figures plus simples et plus symboliques. D’un autre côté, cela peut englober l’art qui utilise des formes comme des formes géométriques ou des marques spontanées et libres qui n’ont aucun lien direct avec ce que nous voyons dans notre réalité extérieure.
On l'applique également à l'art qui utilise des formes, telles que des figures géométriques ou des signes gestuels, qui n'ont aucune source dans une réalité visuelle extérieure. Certains artistes de cette abstraction « pure » ont préféré des termes tels qu'art concret ou art non objectif, mais dans la pratique, le mot abstrait est utilisé partout et la distinction entre les deux n'est pas toujours évidente.
Depuis le début des années 1900, l'art abstrait constitue un courant central de l'art moderne . L'art abstrait véhicule souvent un sentiment de profondeur philosophique ou morale. Il peut symboliser des vertus telles que l'ordre, la pureté, la simplicité et la spiritualité, invitant les spectateurs à explorer des significations plus profondes au-delà du visible.
La naissance de l'art abstrait
Au début du XXe siècle, une transformation radicale du monde de l’art a donné naissance à ce que nous connaissons aujourd’hui comme l’art abstrait. Ce moment charnière de l’histoire de l’art a remis en question des siècles de tradition et de représentation, inaugurant une nouvelle ère de créativité et d’innovation. Si le concept d’abstraction a évolué au fil du temps, c’est au cours de cette période que les artistes ont fait des progrès révolutionnaires vers l’art non figuratif. Cependant, certains mouvements importants ont non seulement élargi le vocabulaire artistique, mais ont également joué un rôle essentiel dans la trajectoire de l’art abstrait. Explorons-les :
1. Le cubisme : déconstruire la réalité
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907.
Le cubisme, l'un des mouvements artistiques les plus transformateurs du début du XXe siècle, a joué un rôle essentiel en inspirant et en ouvrant la voie à l'émergence de l'art abstrait. Mené par des artistes pionniers comme Pablo Picasso et Georges Braque, le cubisme a remis en question la représentation traditionnelle et a introduit un changement radical dans la façon dont les artistes perçoivent et représentent le monde.
Le cubisme s'écartait radicalement de la représentation traditionnelle, brisant l'illusion de l'espace tridimensionnel et encourageant les spectateurs à s'intéresser à la réalité fragmentée du monde moderne. Au lieu de peindre les choses exactement comme elles étaient, les artistes cubistes les décomposaient en diverses formes et figures abstraites. C'était comme si on disait aux gens : « Pourquoi regarder les choses sous un seul angle alors qu'on peut les voir sous tous les angles en même temps ? » Cette approche a inspiré les futurs artistes à explorer de nouvelles dimensions et idées dans leur travail. L'influence de ce mouvement sur l'art abstrait a été profonde, car il a introduit le concept de décomposition et de réassemblage du monde visuel de manière innovante.
Bien que le cubisme n'ait pas pleinement adopté l'abstraction, son approche innovante de la forme, de la perspective et de la composition a planté les graines de l'art abstrait. Les artistes qui ont émergé plus tard au XXe siècle, tels que Wassily Kandinsky et Kazimir Malevitch, se sont inspirés des idées radicales du cubisme et ont repoussé encore plus les limites de l'art non figuratif.
2. Futurisme : manifestations dynamiques
Giacomo Balla, Swifts: Paths of Movement + Dynamic Sequences, 1913.
Le futurisme, mouvement artistique d'avant-garde apparu au début du XXe siècle, a apporté une approche dynamique et innovante au monde de l'art. Mené par des artistes comme Umberto Boccioni, Giacomo Balla et Filippo Tommaso Marinetti, le futurisme célébrait l'énergie, la vitesse et le dynamisme de l'ère moderne.
À ses débuts, le futurisme s'intéressait principalement à la représentation du mouvement, de la technologie et de la vie urbaine. Cependant, il a contribué de manière substantielle à l'évolution de l'art abstrait. Le futurisme visait à encapsuler l'essence même du mouvement, de la vitesse et de la technologie à travers des formes abstraites. Les peintures et sculptures futuristes ont représenté de manière vivante l'énergie dynamique de l'existence urbaine, représentant des sujets en mouvement perpétuel et soulignant l'interconnexion profonde entre l'humanité et les machines.
L'essence de l'abstraction du futurisme réside dans sa capacité à articuler le changement et l'évolution perpétuels inhérents à l'existence contemporaine. Le futurisme célèbre l'ère industrielle, rendant un vibrant hommage à l'ère des machines et de l'innovation. Ce faisant, il encourage les artistes à transcender les limites de la représentation conventionnelle. Le futurisme fait office de pont entre l'art figuratif et l'abstraction. Bien que son objectif principal reste de capturer la vitalité et le dynamisme de la vie moderne en mouvement, il introduit des concepts et des techniques artistiques qui poseront les bases du développement ultérieur de l'art abstrait.
3. L'orphisme : l'abstraction harmonieuse
Robert Delaunay, Simultaneous Windows (2nd Motif, 1st Part), 1912.
L'orphisme, bien que moins connu que d'autres mouvements artistiques du début du XXe siècle, a joué un rôle important dans le développement de l'art abstrait. Guidé par les artistes visionnaires Robert Delaunay et Sonia Delaunay, l'orphisme se distingue par son utilisation exubérante de la couleur, des formes géométriques et une insistance unique sur l'interaction harmonieuse de la couleur et de la forme. À la base, l'orphisme se caractérise par une palette vibrante, l'emploi de formes géométriques et le concept révolutionnaire de « simultanéité » - l'idée que les couleurs et les formes peuvent coexister en parfaite harmonie sur la toile.
Les artistes orphistes croyaient profondément au pouvoir transformateur de la couleur et de l'abstraction, les considérant comme des instruments capables de susciter des réponses émotionnelles et spirituelles profondes chez leur public. Ils se sont lancés dans un voyage qui a transcendé les frontières traditionnelles de l'art, de la musique et de la théosophie, tout cela dans le but de créer des harmonies visuelles qui défient les contraintes du monde physique.
Ces artistes visionnaires ont exploré en profondeur la capacité de la couleur à transmettre des émotions et une signification indépendamment des sujets reconnaissables. Cette exploration de l'impact émotionnel profond de la couleur est devenue un thème central dans l'évolution ultérieure de l'art abstrait. De plus, l'utilisation habile des formes et des figures géométriques de l'orphisme, soigneusement orchestrées pour produire des compositions harmonieuses, a contribué de manière substantielle au développement du langage visuel qui allait sous-tendre l'art abstrait.
Bien que l'orphisme ait existé en tant que mouvement distinct pendant une période relativement brève, son influence a perduré. Les artistes abstraits qui ont suivi, notamment des sommités comme Wassily Kandinsky et Piet Mondrian, se sont inspirés des idées novatrices de l'orphisme, en particulier dans les domaines de la couleur, de la forme et de l'abstraction.
Qui est le pionnier de l’art abstrait ?
On attribue souvent à Wassily Kandinsky le rôle de pionnier de l'art abstrait. Il est largement considéré comme l'un des premiers artistes à créer des peintures véritablement non figuratives et abstraites.
Kandinsky, un artiste russe, a développé son style abstrait au début du XXe siècle. Ses œuvres phares, telles que « Composition VII » (1913) et « Du spirituel dans l'art » (1910), ont joué un rôle crucial dans le développement de l'art abstrait. Kandinsky croyait que les couleurs, les formes et les contours pouvaient évoquer des émotions et des expériences spirituelles sans avoir besoin d'un sujet reconnaissable. Il a exploré le concept d'« abstraction pure », où l'art pouvait transcender le monde physique et puiser dans des domaines de signification plus profonds et non objectifs.
Il avait l'habitude de dire : « De tous les arts, la peinture abstraite est le plus difficile. Elle exige que vous sachiez bien dessiner, que vous ayez une sensibilité accrue pour la composition et les couleurs, et que vous soyez un véritable poète. Ce dernier point est essentiel. » Cela met l'accent sur les défis et la profondeur de l'art abstrait, soulignant la nécessité d'une compétence technique et d'une sensibilité poétique pour vraiment comprendre et créer dans le domaine abstrait.
Les idées novatrices et les contributions artistiques de Kandinsky ont jeté les bases du mouvement de l'art abstrait, inspirant de nombreux autres artistes à explorer les possibilités de l'abstraction dans leur travail. Bien que d'autres artistes aient expérimenté l'abstraction à la même époque, Kandinsky est souvent considéré comme un pionnier en raison de la profondeur et de l'influence de son travail sur la trajectoire de l'art abstrait.
Une autre artiste notable à mentionner est Hilma af Klint, une artiste suédoise née en 1862. Ces dernières années, les historiens de l'art et les universitaires ont réévalué l'histoire de l'art abstrait, la considérant comme l'une des pionnières du genre. Elle a acquis une plus grande reconnaissance, notamment dans le contexte de ses premières œuvres abstraites.
Hilma af Klint s'est lancée dans l'art abstrait dès 1906, avant de nombreux autres artistes associés à ce mouvement. Alors que Wassily Kandinsky revendiquait la création du premier tableau abstrait en 1911, c'est en fait Af Klint qui avait été la pionnière de cette approche en 1906. Fait remarquable, comme Piet Mondrian et Kandinsky, elle aussi est décédée en 1944.
Durant cette période de transformation, ses œuvres mettent en avant des formes géométriques et des couleurs vives, ce qui constitue un tournant révolutionnaire et innovant dans le monde de l'art. Sa motivation pour créer de l'art abstrait est profondément enracinée dans son intérêt profond pour les questions spirituelles, la théosophie et son implication dans des groupes spirituels. Elle considère son art comme un moyen de communiquer avec des royaumes spirituels supérieurs et comme un moyen de plonger dans les dimensions invisibles de l'existence.
Bien que Wassily Kandinsky soit souvent considéré comme le plus grand pionnier de l'art abstrait, il est essentiel de reconnaître les contributions importantes et innovantes d'Hilma af Klint au genre au cours de ses premières années. Son travail révolutionnaire aux premiers jours de l'abstraction la place fermement dans la cohorte des premiers contributeurs qui ont joué un rôle essentiel dans la formation du mouvement de l'art abstrait. La vision artistique unique d'Af Klint et son exploration des formes abstraites ont remis en question les conventions artistiques traditionnelles, enrichissant la mosaïque diversifiée d'artistes qui ont ouvert la voie à ce mouvement artistique transformateur.
En Résumé : l'essence de l'art abstrait et ses impactes
L’art abstrait n’est pas né brusquement au début du XXe siècle. Il a évolué progressivement, avec des premiers pas hésitants de pionniers comme Hilma af Klint, et s’est développé en un mouvement majeur grâce à des figures telles que Wassily Kandinsky et Piet Mondrian. Ce parcours, marqué par l’expérimentation et la recherche constante de nouvelles formes d’expression artistique, a continué tout au long du XXe siècle et perdure aujourd'hui. Bien que cet article offre une vue d'ensemble de l'art abstrait, il est crucial de reconnaître que son histoire est encore en cours. Les artistes contemporains repoussent sans cesse les limites et redéfinissent le genre, enrichissant ainsi une mosaïque d'innovations artistiques dynamiques et en perpétuelle évolution. En explorant les fondements de l'art abstrait, nous espérons vous fournir les clés pour apprécier et approfondir votre compréhension de ce mouvement artistique vibrant et durable.
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